cincoinviernosunverano

2011-11-17T03:17:00.002-03:00

#Unmuertonoesnecrofilia. [ poême x=/=y ]

Por quetzal

No lo sé.

¿Una relación muerta hace una relación?

¿Cuánto tiempo aún más de esto?

Yo, lo único que puedo hacer

Es olvidar.

No sé nada.

Nada acerca del mundo o de las barreras que lo rodean.

Nada acerca de los afectos y los seres

amados.

No sé nada acerca de ello.

Tan sólo he aprendido de los que partieron,

Y ( x )

Nos miran desde

Allá arriba.

Nos cuidan,

y protegen

Como ángeles,

Custodios

Que alguna vez

Quisieron bajar ( y )

Ser uno de nosotros.

Enamorarse y morir.

Más de uno se hizo de vidrio

Como otro

En medio de un sueño (a media mañana)

Del cual se es despertado

<(Violentamente)>

En medio de una noche

En la que

(Aún)

Graznan

Los pájaros.

Por la mañana…

discos santis

2011-09-04T21:51:00.004-03:00

Extravaganza: Agosto 2011

en Rodrigo Santis: Retorno a la raíz

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA

Por Rodolfo García

Aquí, un recorrido por lo más destacado de la discografía de este músico, ingeniero en sonido y productor, quien ya lleva 15 años de música en el cuerpo, luego de debutar con Congelador en el mítico subterráneo de la disquería Background en 1996, ocasión en la que también estuvimos presentes.

CONGELADOR (Quemasucabeza, 1998) Crudo y ruidoso, el debut de Congelador se remite a una experiencia descarnada de la música, en la que lo rítmico y lo granular se mezclan a ratos con melodías y una atmósfera enrarecida. En este aplaudido debut aparecen, también, algunos temas etéreos y una que otra canción pop.

CAMPOS DE HIELO (Quemasucabeza, 1999) Firmado bajo su propio nombre, este disco reagrupa composiciones solistas que el músico creó en paralelo a la primera época de Congelador. En él, el intérprete ejecuta todos los instrumentos y procesa las pistas por computador, obteniendo y manipulando loops de guitarras y teclados, además de incorporar voz. El resultado es experimental y aislacionista.

PARANORMAL (Quemasucabeza, 2001) Bajo este seudónimo, Santis se adentra en los territorios del noise, con una aproximación densa y escalofriante del género. En clave de manipulación electrónica y manual de pistas pregrabadas, el músico superpone y disuelve capas sonoras en un escenario de pesadilla auditiva.

ICEBERG (Quemasucabeza, 2001) Tal vez el mejor disco de Congelador, Iceberg es el único esfuerzo instrumental del grupo y logra una ecuación perfecta de ambientes, distorsión y melodía en crescendos concebidos para expandir cuerpo y mente. La banda sonora ideal para subir cerros con un sol radiante y las pupilas dilatadas.

GEPINTO (Quemasucabeza, 2005) El álbum debut de Daniel Riveros como solista -más conocido como Gepe-, acompañado por Las Aves de Chile, marca un giro trascendental en la expansión del catálogo de Quemasucabeza y de su llegada a un público más amplio. Santis participa aquí como ingeniero en sonido.

PANORAMA NEUTRAL (Quemasucabeza, 2005) Este disco es fundamental por plasmar en sus surcos gran parte de lo mejor de la movida independiente chilena en esa época, aportando material inédito de lo más interesante que se podía escuchar en vivo. Desde Familea Miranda a Congelador, este álbum presenta material de Mostro, Dizzlexico, Barco (único registro editado del embrión de lo que sería Caravana) y Dormitorio, entre otros. Rodrigo Santis participa como gestor principal del proyecto, además de músico e ingeniero de sonido en algunos temas.

CARAVANA (Quemasucabeza, 2011) Una fuerte base acústica, ligada a hermosos arreglos de cuerdas, teclados, vientos y percusiones hacen de esta última entrega una de las experiencias más accesibles del artista. Un álbum preciosista y desgarradoramente honesto.

c

2011-04-18T23:57:00.004-03:00

Estaba la sobrina de una escritora obscena y genial, reconocida y con varias obras entre la vanguardia de su tiempo.

Qué guapa que era.

‘Te irás pronto, ten fe, ya volverás a Europa’, me dijo.

Vimos buenas pelis charlando en el sofá hasta que las enfermeras nos tomaron la presión y nos mandaron a dormir.

Me preguntó por el lago donde vivía. Se lo describí, lo encontró hermoso y me comentó que había vivido al sur de Europa, creo que con su ex -marido.

Encendió un último cigarrillo, me acarició el pelo y se fue a dormir.

Llevaba una camiseta rosada y un pantalón de piyamas del mismo color debajo de la bata negra, qué delgada que era. ‘La maja’, le decían, por su pasado en España.

Su piel parecía aún más bronceada en la oscuridad. Desde la ventana veíamos toda la ciudad. Las luces ahí debajo de las colinas en el valle, las calles como hileras interminables de tendidos cableados como un enorme árbol de navidad, como una red que se mostraba tan lejana e hipnótica. O son los sedantes que comienzan a hacer efecto. No lo sé, me siento muy drogado pero plácido.

Carla me toma la mano y se excusa porque en realidad quiere tomar el control remoto y cambiar la tele. Veo a un tipo igual al de Dream on y me río. Creo que es él. Carla se enoja porque dice que nunca la tomo en cuenta cuando la chica de la bata negra se va a acostar. No lo sé. Sólo sé que he perdido la noción del tiempo y que mis pupilas están enormes. La enfermera gorda se ha quedado dormida y me equivoco de dormitorio y llego al de Clara, la sobrina de la escritora.

Clara me dice que ha pasado un siglo desde que se vino a acostar, con estas pastillas, nunca se sabe cuando el tiempo comienza o cuando se detiene.

¿Cómo se llama tú tía?

-Valentina, Valentina Vera.

-¿Crees que si parto y viajo la podré conocer?

-Sí claro.

Clara tiene la ventana abierta y tengo frío.

Le pregunto si puedo recostarme un rato a su lado y ella abre las sábanas.

Su dedo índice dibuja ahora la forma de mi nariz mientras leo unas páginas de la novela de Valentina que su sobrina tiene en el velador.

Clara tiene dos pecas al lado izquierdo de la cara y dos ojos gigantes, entre pardos y verdes.

Puedo oír su respiración.

Inmóviles, nos dormimos al tiempo que los pájaros comienzan a cantar.

No sé cuánto pasó entre que nos quedamos abrazados y el sueño final. Esta droga es fuerte y plácida, la mejor que nos han dado hasta ahora.

Fix

2011-04-18T23:35:00.001-03:00

La mañana está tibia porque está nublado y parece que va a llover. Aquí no llueve casi nunca, tenemos como 300 días de sol al año. Anoche le dijiste a Esteban que no encerrara a la gata en el baño, que los niños que hacen eso son los que adoran al diablo. El pequeño te ha respondido que, de todas maneras, el diablo no existe.

No puedo dejar de pensar en las fotos del otro día en el diario, de los ritos satánicos que hacen esos jóvenes perdidos en Villa Alemana, en la costa. Estrellas de cinco puntas dibujadas sobre 4 metros de suelo, usando la sangre de felinos degollados como tinta, sus cuerpos sin cabeza coronando cada una de las cinco puntas. Todo ello, hecho de noche. Las botellas con sangre dan prueba de que también se la bebían. Me es difícil apartar del espíritu que el mal existe, y me da escalofríos.

Me has dejado leer tu libro de Bugalkov mientras redactas algo para la universidad. He caído al final, en ese cuento que se llama morfina y me ha gustado mucho. Creo que, fuera de Baudelaire, es de las historias de adicción más antiguas que he leído, y esta vez se trata de algo químico. El ruso escribe de manera fría y desgarrada como un médico cae en los paraísos artificiales para hundir su salud cada vez más, al tiempo que conserva una lucidez avasalladora. El tipo termina por desaparecer del todo, con el cuerpo consumido.

Me digo que hay métodos más naturales para volarse la cabeza, y pienso en esa hierba que toman los gatos. Hédera algo, creo que se llama. Ellos se ponen a jugar mareados, babear y darse vueltas rodando sobre sus espaldas por el suelo. Es divertido. El hecho es que también se vuelven adictos, y que se comen las flores de la planta. Las flores, como las del cáñamo o las de la amapola.

Trato de escribir algo. Nunca me decido. A veces pienso en que moriré sin haberlo hecho y me da nauseas. La otra noche, soñé que una mano invisible me ahorcaba, apagaba todas las luces, y al salir al pasillo del edificio, me encontraba con dos negros gordos con capucha y lepra en sus rostros. De veras tuve miedo. Me desperté rezando, y ya no creo en la iglesia desde hace siglos. Así de asustado. Miro hacia los árboles del jardín de abajo. Está encerrado entre muros y techos de edificios antiguos, y se ve frondoso. Es una de las cosas que me gustó de este departamento, ese contraste, el mismo entre ello y estar en el medio de esta ciudad, de esta jodida ciudad.

scottish playlist

2010-11-16T03:02:00.005-03:00

stratosphere\ playlist \ final

2010-11-09T01:53:00.000-03:00

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stratosphere\ playlist II

2010-11-08T03:32:00.005-03:00

playlist

playlist | stratosphere | estratósfera | all things post |

2010-11-04T16:52:00.003-03:00

‎>>>de la musique d'ailleurs, de bien ailleurs, perdue et
étendue sur l'herbe, le soleil sur le visage...les yeux plaqués vers le
ciel...

elle est tellement belle cette fille....et elle ne parle jamais, soit
...elle chuchote, soit elle chante....et elle écoute toujours, le bruit des vagues qui viennent s'écraser au plus profond de son
être...............

cincoinviernosunverano, el blook.

2010-11-02T00:51:00.000-03:00

Open publication - Free publishing - More prosa poetica

portada blook

2010-10-31T02:28:00.001-03:00

blook pliego 3: frìo frío

2010-10-31T02:01:00.001-03:00

cicatriz en versión blook

2010-10-31T01:49:00.001-03:00

prueba blook

2010-10-31T01:07:00.002-03:00

Playlist clásicos

2010-10-30T23:52:00.003-03:00

Playlist clásicos perdidos
de la vieja escuela
(sellos touch and go, sub pop, merge)
indie rock from the 90s

Caribou, Industria Cultural 23 de Octubre

2010-10-28T20:20:00.000-03:00

Stgo, 24 de oct 2010.

El show de anoche fue lo mejor que ha pasado en Chile en esa línea, en una tenue unión que crea un hilo conductor desde Tortoise hasta Caribou, pasando por Animal Collective. Y es que en todos ellos, la música es un proceso bastardo, híbrido, una mezcla locuaz entre pop, dub, electrónica IDM, trance y rock. Falta mencionar a High Places y el mapa está completo.

Caribou hizo un show digno de recordar, a dos baterías, guitarra, bajo, voces y percusiones. Un proceso creativo constante en escena que mezcló la chill-wave con el noise pop de My Bloody Valentine. La verdad, era difícil esperar tal cantidad de ruido hipnótico, de ritmos narcóticos. Para los de la vieja escuela, Caribou era un nombre que se quedaba en Manitota, un talento de la IDM, pero lo de anoche abarcaba mucho más, en un baile catártico y liberador.

playlist 2010

2010-10-25T23:12:00.003-03:00

Algunas de las mejores ediciones de este año junto a Arcade Fire, The National, Sun Kil Moon, Best Coast y The Radio Dept, además de Laetitia Sadier de Stereolab y su debut solista, con un tema muy sensual para la ocasión.

El playlist contiene una selección con excelentes estrenos nacionales durante este lapso:

Vapourboat, Moreno, Intimate Stranger y Protistas encabezan la lista de lo mejor en cuanto a lo nacional.

Ponga play y disfrute

la lengua asesina

2010-09-17T14:44:00.005-04:00

Desayuno en Marte (remix)
Te despierto al llegar y entramos al antejardín. Ya son las 10. La ciudad se ve amarilla desde esta parte del cerro. Las tardes también lo son. Aún tienes pereza y te estiras. Ya he recuperado los colores y he dejado de ver en blanco y negro. Tus pupilas están enormes, muy dilatadas. Te pones los lentes de sol y te ríes mientras bostezas. Destapo el vino blanco y nos sentamos en el pasto.

Ventana

Ves la apática modorra de una siesta tras la ventana, envueltos en nada y me callo.

A buscarte dónde

El tiempo se detiene. No hay espacio.

-LSD.
-¿Y qué se hace con esto?
-Ponlo en tu lengua, y espera un rato, una hora, o tal vez media.
-¿Sube más rápido si fumo?
-Si quieres.

Lo tomo y lo disuelvo apretándolo contra el paladar. Tiene un gusto a sodio. Inhalo bien hondo y trato de olvidar.

Reposo.
Te apoyas y terminamos abrazados.

-Sigue, murmuras mientras corres tu pelo del otro lado de tu cuello.

El beat de la canción que escuchamos se expande.
Lánguido, sensual y triste.

Las noches en que éramos extraños

Sobre el sillón rojo llega una mujer a descansar. Se recuesta. Saca un cigarrillo, nos mira y parte. Todo gira. La baldosa, los vasos, el humo del lugar. El piso es de adoquines blancos y negros.

Levanto la vista y te vas de nuevo. Observo tus tobillos. Los tuyos son muy delgados y no me he dado cuenta hasta ahora cuando ya te veo voltear la cabeza y partir, no sin mirar hacia atrás y soltar una sonrisa.

Cerca de la barra está la mesa de centro y un par de sofás y la luz es tenue pero cálida y nos sentamos a charlar un rato con los de la banda de esa noche. Ellos nos regalan su disco y cuando los vemos en escena son muy divertidos e inusuales.

Ghosts

En el baño penan. Nunca se ha movido nada ni se han cerrado puertas pero sé que algo pasa ahí adentro.

Sofá

Nos hemos quedado dormidos sobre el sofá. Te despiertas y me dices que nos vamos. Te digo adónde. Nunca puedo dejar de protestar. El día ya se acabó, y sí. Y los ojos se me cierran pero los sujeto con las puntas de los dedos y están rojos y dispersos pero quiero aún más de esa luz que se torna blanquecina.

-Vamos, te digo.
Cuando me volteo ya estás dormida otra vez.

Encontré esto ahora al mudarme entre las cajas. Una vieja historia del cuento de una pareja de jóvenes trash, que viven en medio del caos, no sé si propio, o circundante, o ambos. Una serie de micro.cuentos que alguna vez concursó en un magazine donde al final me quedé trabajando. Una buena experiencia.

Aquí vamos, years ago…(1996? En adelante?) Supongo que luego adquirió el título de ‘en tu lengua’, con una versión enviada que concluyó en ‘la luna asesina’. Creo que el primer sketch salió tras oír acerca de la peli trash de warhol. Tenía que ver más con una máquina de cigarrillos que luego salió de escena. La clase de cosas que imaginas como ideales cuando tienes 19 años. La clase de historias que tus amigos pudieron haber vivido. Esta es una copia de la versión impresa en papel, parte de, al menos, impresa quién sabe cuándo o dónde. En realidad, ahora va una remezcla, excepto por Ventana...creo que andaba pegado con los haiku, tb, y el minimalismo.

las chicas bailan con arcade fire

2010-09-06T00:53:00.005-04:00

(del deejay y sus consideraciones prácticas)

1.-ser deejay es, también, ser un hombre hombre-objeto

-la gente indie es,

también,

gente lindie

(piden y bailan a pavement)

2.-un club de rock

siempre

suena

como tarro

-the smiths es

la mejor elección

para hacer bailar

a una chica

linda

entusiasta

3.-aunque suene como tarro

todos terminan

borrachos

club de rock

(4.-Radiohead es la mejor omisión

en una noche como

ésta

y beck el mejor acierto)

5.-Las chicas

con horquillas, pinches

o elásticos

cabello

siempre

son

alma

de la

fiesta

6.-Ser un hombre objeto implica

ser fotografiado

7.-Las chicas

guapas

siempre

largan

primero

Son las primeras

en bailar

Las primeras

en hacer guiños,

señas

pedir un tema.

Que triste,

también,

que sean las que parten

primero.

8.-Cuando un chico

alucina

con

The National

pues,

dale

su medicina.

9.-denme lo que sea.

pero, no al

jugoso

que se queda pidiendo el

mismo tema

que no tienes

y que, a estas alturas,

ya no quieres poner.

10.-No pensar.

Bailar es un acto

sencillo.

Dale a la chica

lo que pide

cuando viene

hacia ti.

una canción

que

haga

saltar.

>>gracias a la flaca,

con chasquilla y pelo

castaño, largo y ondulado,

por quitarse el

chaleco negro,

y lucir

su vestido con flores

romántico del siglo XIX

y bailar esa canción de

arcade fire

y, luego,

todas las demás.

c ...ro

2010-08-20T00:51:00.002-04:00

so blue, gonna try with glue.
baby it's dry
dry
i hate you when you cry
no more beats for cherry juice
give me something that i can't lose
c.rosenvinge

cristales desintegrados. (piloto automático)

2010-07-28T21:18:00.005-04:00

se acercan. las olas infinitas de electricidad en el cuerpo. Un millón de horas en un cuarto vacío poblado de recuerdos.

Han pasado días.
Días y semanas como siglos en un frío medieval y estático. Ella se ríe porque ya no quiero escuchar lovesong.

-'Ya, la niñita', me dice.

No sé, ella se ríe porque miro con ojos desorbitados aludiendo al miedo enorme que le tengo al dolor.

Ella piensa que todo se esfuma y que lo que reside, lo hace en el interior. Ella me escucha mientras le hablo de mi terror a la sangre.

En medio del salón ha aparecido un destello de luz iridescente y multicolor, un haz que gira en círculos y sobre sí mismo propulsando fotones de todo el espectro de manera brillante. Rojo, amarillo, verde, azul, violeta, un flujo constante que brilla en medio de la habitación y rasga la oscuridad de manera que le da calidez a este frío espectral.

No puedo eludir la fascinación de que algo ocurre. Del cambio evidente. De ese temblor que me impregna como el que te agarra tras saltar un precipicio y caer al otro lado del acantilado, en la cima siguiente. Jadeante, con los latidos que te rompen los tímpanos por dentro, el pulso acelerado.

El gris monotono ha muerto. Puedo sentirlo. Ella me dice que prefiere la cocina mediterránea y no puedo sino tenerle fe a las hierbas de provenza.
__________
Estas noches.
La acera desierta de una calle pequeña y antigua.
El viento gélido que destruye la piel.
.
El secreto deseo de que acabe la espera por las primeras gotas,
el anhelo por un cielo que se rompa y se fracture en un estruendo ensordecedor,

La lluvia que azota el piso y lo golpea con la fuerza de un tren que pasa su estructura de metal sobre sus huesos quebrados, .
El suelo frío y húmedo.
El moho que crece en la pared.

Un beso de adiós.
El último.
Nunca más.

La vereda mojada con las luces de los autos y semáforos refractadas rojas sobre el pavimento granuloso.
El reflejo de los faros como un manto nebuloso.
El agua se impregna en la lana de tus guantes,
tu boca esboza una sonrisa extraña.

debemos estar juntos.

----------------------
corte.
La destrucción de los vidrios que se desintegran y se entierran en la piel
Los pequeños globos rojos que se forman sobre los poros
y que se abren caminos como vertientes frente a ojos que se tensan
En medio del fin y el caos
-------------------------

frío frío

2010-06-05T23:14:00.008-04:00

ya no se besan
ya no se abrazan
ya no se hablan
ya no duermen juntos
se ven el uno al otro
como un espectro de otra vida
ël le abre la puerta
prepara la cena
la sirve
ella come
toma un par de cervezas
mira internet
y se va
él se queda contemplando
lo que se ha vuelto gélido
la muerte de algo
en su interior
la muerte siempre
le persigue
día a día
en sus noches sin dormir
la muerte ha remplazado
cualquier otro sentimiento
la muerte fría
el hielo
que carcome sus miradas
donde ya nada es emoción
y todo es ausencia
pérdida
de lo que a lo mejor nunca fue
la muerte lo persigue
y terminará por hallarlo
bajo la forma de mil píldoras en una botella
o de un tren del metro que se acerca
la muerte le pregunta
donde está el botón de switch off
para acabar de una vez por todas
con todo esto

mato a mis personajes
para que éstos
no mueran
en realidad

Entrevista a Andy Rourke@Extravaganza. Mayo.2010.

2010-05-23T21:40:00.000-04:00

ANDY ROURKE: La sala debajo de Joy Division

12.05.10

Andy Rourke fue el bajista de The Smiths y vino a Chile a presentar su DJ set. Criado en Manchester en medio de una agitada escena post punk, el músico relata sus excesos, sus vínculos con el rock de su ciudad natal y se declara incapaz de medir la influencia de su banda.

“¿Top of the Pops? Estuvimos ahí como diez veces. Nos odiaban porque Mozz hacía evidente el playback y se dedicaba a bailar en vez de seguir la mímica de la voz”, comenta Andy Rourke, sobre su paso por el popular show de televisión inglés. El músico está sentado y discute. Tras 20 horas de vuelo, el bajista de The Smiths espera antes de ir a mezclar al Club Extravaganza!. Conserva buenas anécdotas de su ciudad natal, Manchester. “A los 15 años, tenía una banda en el colegio. Ensayábamos en un edificio, en cada piso había una sala. En la de arriba, estaba Joy Division; en la de abajo, The Buzzcoks”, recuerda el inglés. Criado en medio de esta efervescencia post-punk, terminó tocando en uno de los grupos más recordados de su generación.
Su tiempo junto al cuarteto lo pasó en medio de excesos, aunque era muy joven. “Cuando todo terminó, yo tenía 23 años. Imagínate las giras: teníamos uno en la banda que estaba casado, otro con novia y el último, gay. Quedaba yo como único soltero para todas las groupies”, rememora Andy. Su mocedad estuvo inserta en plena movida mancuniana. ‘¿La Hacienda? Ahí conocí a mi esposa, tomando éxtasis. Eran esos años. A las semanas, nos casamos. Después de estar sobrios, nos dijimos ‘¿y tú quién eres?’ Y nos separamos”, cuenta respecto a su matrimonio en los tiempos del mítico club de Tony Wilson, periodista y dueño de Factory Records. “Él puso a Manchester en el mapa. Se dedicó a divulgar mucho sobre las bandas que venían de ahí”, explica.

Brooklyn
El bajista mantiene pocos lazos con los ex miembros del grupo. Morrissey, el vocalista, nunca le ha pagado la parte de los royalties que debería por el dinero que recibe, año a año, gracias a las canciones de la banda. El guitarrista Johnnny Marr sí lo ha hecho, aunque, en realidad, entregándole sólo una parte de lo que le corresponde.

Ahora, el bajista vive en Williamsburg, en pleno Brooklyn, y –entre otras actividades- se dedica a hacer un programa de radio en Nueva York. Su banda aún la recuerda con cariño y es incapaz de medir la influencia que causó en los ochentas. “Era muy joven cuando todo pasó”, afirma. Del britpop se ríe un poco. “Cuándo terminó The Smiths, instalé un estudio en mi casa. Unos chicos que ensayaban en la esquina me pidieron grabar un demo por la buena onda. Lo hice. A la semana, el vocalista le contó llorando a su novia que lo habían echado. Al día siguiente, el guitarrista dijo que había encontrado uno nuevo, Liam. Me preguntó si podían registrar las voces otra vez y le dije que no. Acababan de formar Oasis’, se acuerda Rourke.

¿A tu ex compañero que más ves es a Johnny Marr?
Sí. Con él hablo de vez en cuando. Éramos amigos desde adolescentes, y cuando pasé al bajo, le enseñé sus primeros acordes en la guitarra. El chico aprendió rápido (risas).

¿Cuánto tiempo llevas en Williamsburg?
Me mudé de la triste Manchester hace un par de años. Hago un show de radio. Al principio era el lugar cool, pero ahora se puso de moda y los arriendos están muy caros, porque todos, incluido Woody Allen, se quieren mudar allá.

¿Qué te parece la movida de Brooklyn?
Me gusta MGMT y, si bien dices que hay un montón de bandas nuevas, generalmente me gusta ir a un viejo club de jazz con ancianos tocando el contrabajo.

¿Te has dedicado a ser DJ?
Sí, tengo ese programa en la radio y actúo en algunas fiestas, vengo llegando de una gira en Europa, aunque nunca he dejado de hacer música.

Háblame de FreeBass, tu banda de bajistas.
En ese proyecto, estoy con Mani de Stone Roses y Primal Scream, además de Peter Hook de Joy Division y New Order. Han sido cinco años y queremos sacar un disco, pero ha sido difícil coordinar las agendas de todos.

¿Qué recuerdos tienes de haber estado en otros grupos?
Estuve durante dos semanas en Killing Joke. Son una secta y eso pudo más que mi entusiasmo. Jaz me pedía que tocara rudo y que cantara, o que gritara, más bien. Fue mucho para mí, aunque me gustó la experiencia, no era mi estilo.

por rodolfo garcía
fotografía * pablo villagra

Little lost soul (extracto novela ficción)

2010-05-21T01:28:00.009-04:00

Octubre 1996

Vuelvo a Lausanne y me encuentro con Jerome en la tienda. Está trabajando desde hace unos meses ahí y se le ve contento. Luego de dejar la casa de su mamá en Friburgo, se mudó a la ciudad donde estuvo vagando en casas de amigos hasta quedar en ese empleo. Ahora tiene su propio estudio, ropa, discos y droga. Recuerdo que en su peor época, mi compañero de curso David me pidió las llaves del estudio que me prestaba una amiga. El problema, fue que ella llegó justo cuando Jerome acababa de fumar haschich con su novia y luego llamó a mis padres para contárselo. En realidad, ella les dijo que estaban tirando drogados. Mis viejos siempre están preocupados y creen que el psicólogo y el psiquiatra son la cura para todo. Así que lo del estudio de esta amiga fue un punto más, una tonelada más en la balanza de mis errores a analizar con un especialista. Jodida vida, no. La puta que parió a los sicólogos, aunque ellos no son tan temibles. Los siquiatras sí, con sus drogas extrañas. Prefiero la hierba, no te terminas matando como con el prozac y el aldol. El caso es que Jerome está contento de verme. Llega Joséphine, su novia, la misma que sorprendió la amiga de mis viejos, y la misma que mantiene hasta hoy mi querido amigo.

En el estudio de Jerome, pongo ese disco tan extraño de ambient que he comprado en Santiago, se llama Rome y es un viaje de 40 minutos a ciudades perdidas y dimensiones subacuáticas del sonido. Jerome se ríe y me dice que es la típica música del chico que toma ácidos. Yo me río, también. Desde mi último viaje a Chile no he dejado de experimentar una y otra vez con LSD. La verdad, primero río y luego lloro. No sé porqué, debe ser el trip. O también porque me siento miserable y solo a un año de haber dejado a mi novia argentina, sin llamarla nunca más, y sin volver a encontrar una chica. Mi única compañía es este amigo Claudio que me aloja cuando vengo a Lausanne, pues donde vivo, a 30 kms, no tengo amigos y vengo a Lausanne a estudiar y luego me quedo en su casa, pues la amiga de mis viejos ya no me presta su estudio. Como siempre andamos juntos, creo que sospechan que somos gay y eso me pone más triste aún. No sólo tengo 18 años y me he quedado sin novia por estúpido, más encima ahora, tan delgado, con el pelo largo y este Claudio con el que ando a todas partes para tener un lugar donde dormir, luzco como un homo. Aunque insisto en que creo que he tomado demasiadas drogas. Jerome, con su buen humor, agarra su guitarra y se pone a cantar una canción que reza ‘no tomes droga, hace mal’, al tiempo que enciende un porro de skunk. En realidad, no sé qué me ha dado con los ácidos, Claudio siempre tiene y guarda una dosis para mí. En Chile, fueron un par de veces, una con crisis de pánico. Pero, desde que llegue a Lausanne, ha sido uno cada dos-tres días, en el café de la universidad. Ya no voy mucho a clases. Me quedo en el patio y en los pasillos. Sólo voy a la cátedra de historia del cine de Fredi Buhache. Ese abuelo fundó la cinemateca de Lausanne, la segunda más grande luego de la de París, por acá. Me gusta lo que nos muestra de Brackhage, Antonioni y Meliés. He ido a ver Dead Man en ecstasy y me ha gustado mucho. Géraldine se ríe cuando me ve salir del cine. Ella también está en clases y creo que le gusto, pues siempre hablamos y ella se ríe con todo lo que digo. Tiene unos ojos grises que me tienen loco, pero no me atrevo a decírselo. Nos encontramos hace unos meses en el show de Sebadoh en Friburgo. Fui a las cuatro de la tarde sin pagar el tren desde Lausanne. Tras una hora llegué al club, pues quería conocer a Lou Barlow. Géraldine hizo lo mismo. Yo ya la conocía pues es amiga de Joséphine. Es decir, la había visto, y me había gustado. Ahora, Géraldine me dice en la cafetería de que me parezco a Johnny Depp en la cinta de Jarmusch. La verdad, estoy muy delgado, vivo del café, los cigarrillos y las drogas, casi no como. Peso bajo los 50 kilos y mido más de uno setenta. Llevo el pelo largo y uso lentes redondos metálicos y llevo jeans negros, una camiseta blanca y un chaleco abierto que le copié a Kurt Cobain, ése del unplugged. La verdad, con mis ojeras y todo esto, sí que parezco Dead Man. Géraldine se ríe otra vez y me dice que la llame para salir. El sábado he querido hacerlo y terminé caminando durante cuatro horas, desde la medianoche, por los viñedos sobre el lago. Mis padres no han notado nada, ellos dormían. Me pregunto si le molestará que sea latino, pero creo que no, su madrastra es chilena. Más bien creo que tengo miedo de ser virgen en un país donde todos tiran como conejos desde los 16. Además, sé que estoy perdido. Dejé mis estudios en alta economía por las letras y el cine, y de las tres ramas que tomé, la única que sigo es esta última. No puedo dormir sin drogas, y cada vez tomo más LSD.

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extracto de mi primer libro, el que está tomando forma de diario, de ficción. Creo que se llamará Little lost soul, en honor al disco de 3rd eye foundation y en honor de Aphex twin.

Lo de diario me resolvió muchos problemas creativos, y saqué la idea de hacer esto como tal del cuento Morfina de Bulgakov. Luego, Los detectives salvajes me alentaron aún más en las posibilidades de este recurso. Le tengo tal miedo a la muerte estos días, que me alivia el saber que al menos estoy empezando a sacar ese libro que llevo como 5 años pensando, por lo bajo. Y que estará listo, espero, antes de que me vaya de aquí.

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22 de noviembre, 1996

Los días se hacen más fríos y oscuros y negros. He puesto el disco de Sonora Pine que he comprado en Santiago, en la tienda de Hugo. Está atardeciendo y el sol se va como una llamarada sobre el lago. Tengo muy linda vista desde mi cuarto. Vivo en un dúplex de lujo. A mi madre le ha gustado y con el nuevo empleo de mi padre, podíamos permitirnos un departamento de lujo en un barrio acomodado de un país rico como lo es Suiza. Fui a una escuela privada de hijos de afortunados, médicos, banqueros y mayoristas. Mi viejo tiene un gran puesto en una multinacional mundial. Saqué su facilidad para la matemática –él diseñó un sistema de contabilidad global para la empresa- y quise estudiar alta economía para ver si podía aplicar esos conocimientos en mi Chile tercermundista. Pero no he durado, las drogas y el Internet consumieron mi semestre de 1995 en economía, y dejé la carrera. Me la he pasado en conciertos y tiendas de música y escuchando el botín de discos que he recolectado con un porro en la mano. Qué bien se siente. Nunca pensé que existía tanta buena música en el planeta como la que ahora descubro aquí. Además, estos artistas han venido a tocar. Hace dos semanas he visto a Stereolab y ha sido la gloria. Aún así, me siento solo y extraño a mi gente en Santiago. He ido durante el verano aquí en Europa, de julio a septiembre, y he hecho clases de arte. A mi regreso, quería entrar a una escuela de arte en Ginebra, pero hay que presentar una carpeta rigurosa y he optado por las letras y el cine.

En mi familia creen que estoy perdido y tal vez tengan razón. Estoy cada vez más pálido y delgado, y cada vez gasto más dinero de mi mesada en drogas. LSD, si se puede, y hachís. Tengo amigos en Lausanne, como Jerome y Joséphine, pero las amistades aquí son más distantes. No he visto a Géraldine, me han dicho que le dio gripe, y extraño sus ojos grises, su linda sonrisa y esas curvas que insinúa su ropa. La última vez que la vi, fue al salir de la clase de cine. Nos hemos quedado mirando a los ojos dos minutos sin hablar. Creo que ella se dio cuenta de que yo estaba en ácido o algo así. Aún de esta manera, ella es muy amable y se ríe. ‘Mira aquí abajo’, me dice. Me muestra su pecho, bajo la chaqueta, y lleva puesto el pijama. Me río. ‘¿Con eso dormiste?’, le pregunto. Me dice que sí con la cabeza mientras aspiro su olor tibio y agrio. ‘Llámame’, me dice. Me da un beso y se despide.

No la he visto desde entonces, y tampoco la he llamado. O sea, sí, pero he colgado apenas escucho su voz. Le he grabado una cinta con unas canciones que le hice con mi guitarra. Rock y folk primitivo, como Pj Harvey. ‘I think i like you, cos u’re a nice girl’, dice la letra. Me ha dicho que de veras le ha gustado, aunque se ha sorprendido más del sonido que de la técnica. Era que no.

En estos días solo, he visto a Claudio, pero sólo para tomar ácido y comprar hierba, la que ha empezado a escasear, con mi consiguiente paranoia. ¿Cómo dormiré sin mi dosis? No bebo mucha cerveza. No me atrae, sólo fumar o tirarme un trip. La verdad, he pasado estas semanas en la cinemateca. Días enteros. Fumo skunk y entro a las funciones. He visto una muy buena, policial en blanco y negro, con Marlon Brando, de la serie de polars negros norteamericanos. La versión del expresionismo alemán de Macbeth me ha dejado mal. Esa obra está maldita, y me ha hecho sentir que yo lo estoy también y que he perdido el rumbo y el alma. Y aquí estoy mirando las nubes negras sobre el lago y las viñas.

10 de diciembre, 1996
No he ido a la facultad en una semana. Esta vez Géraldine me ha llamado y no he sabido bien que decirle. Me indica que ya empezarán los exámenes y la verdad es que no he estudiado nada. He ido con mi padre a ver Breaking the Waves bajo recomendación de mi profe Buache. Él ha quedado fascinado con esta cinta experimental de un tipo que se llama Lars Von Triers, así que he llevado a papá. Lo experimental es lo mío en este momento. Me dedico a sacar fotografías borrosas de luces y objetos y rostros, todo muy nebuloso, moviendo la cámara y apagando el flash, para luego sobreexponer el todo. La historia es de una chica a la que sus padres han confinado a tratamientos pues creen que está loca. Ella se casa y es feliz hasta que su esposo sufre un accidente y queda postrado. Él le dice que debe ofrecerse a otros hombres para que encuentre a otro. Ella termina inmolándose en brazos de un marinero peligroso, lleno de tatuajes, que la contrata como prostituta y la devuelve llena de cortes de navaja a tierra firme. Ella muere y su esposo sana. Es un drama muy oscuro. A mi viejo no le gustó. A mí me ha trastornado. Nunca había visto algo así.

He pasado estos días al borde del lago, drogándome bajo la lluvia, en los rincones más solitarios. En la noche he subido a los cerros y vuelvo muy tarde. Estoy errante por estos parajes y simulo ir a la facultad en casa, preparando mis cosas y desapareciendo todo el día, pero éstos son cada vez más cortos y sombríos, y nunca he estado tan solo.

Creo que tengo miedo de haber perdido el rumbo.

31 de diciembre, 1996

He vuelto a Lausanne. Me he quedado una semana en casa de Claudio, solo para volver para Navidad. Me he comprado discos como regalo. 12. entre ellos el nuevo de Red House Painters, que es una maravilla folk. Songs for a blue guitar, y es de lo más hermoso que he escuchado este año. Las clases de cine han estado buenas. Hemos visto proyecciones del constructivismo ruso. Me he tomado varios cafés con Géraldine y su amiga Joséphine, tras lo que hemos ido donde Jerome. Algunas veces he ido con Claudio, pero intuyo que él no le agrada a mis amigos. ‘Le daría unas buenas bofetadas al tipo que te da los ácidos’, me dice Jerome.

Con Claudio, la noche anterior, nos hemos tirado un ecstasy en su estudio. Afuera hay nieve y nos quedamos inmóviles, cada uno en un sofá. Escuchamos algunos discos. He traído los míos, pero es su casa, así que corren en banda uno de Suede y otro de los Beatles. He llegado a odiar a ambos. De pronto, nos quedamos en silencio, y siento angustia. El xtc me ha subido de pronto muy fuerte y quiero salir corriendo. Han sido días fatales. Ayer me la pasé esperando durante tres horas a un dealer en una parada de buses bajo la nieve, a una hora del centro. Nunca llegó. Siento que la sangre se me viene a la cabeza y quiero correr, pero ahí estamos encerrados. Mi corazón late muy fuerte. Hacia dentro, hacia fuera. De pronto, me da un golpe como de martillo y se detiene y tengo miedo, nunca he tenido tanto pavor, me pongo pálido, da un par de arritmias y continúa. De verdad, parece que esta mierda te puede matar. Salimos con Claudio. Tenemos cita con un traficante de ácido. Compramos muchas dosis que él dice fueron hechas en los laboratorios de la universidad. Me tiro dos y me marcho a tomar el tren para ir a casa. En la estación me encuentro con el hermano de Joséphine y lo saludo. Cuando llego al andén, el tren de las doce ya se ha ido. Mi viejo iba a ir a buscarme a la estación del pueblo donde vivo. No llegaré. Me doy media vuelta y voy hacia el club donde siempre asisto a fiestas y conciertos. Entro a la fiesta, pero el ácido ya me ha hecho efecto y salgo. Al lado, hay un puente que lleva a la catedral. En ese puente siempre se tira gente para año nuevo, por lo que se pone un puesto, una carpa con un médico, para prevenir estos accidentes. En un auto estacionado en el puente, hay una pareja tirando, se mueve el auto, y los vidrios están llenos de vapor. Camino por ahí y me detengo en la carpa. Me ha dado mucha angustia y he empezado a delirar. Le cuento al tipo que habrá una guerra en Oriente medio, como la de Irak del 93. El tipo me mira anonadado mientras su ayudante le susurra. ‘Siddharta, el príncipe que se transformará en mendigo’. El médico toma mis datos y me voy, llorando en plena subida de una dosis que no puedo controlar.

6 de enero, 1997

En casa, ha quedado la catástrofe. El médico ha llamado y le ha dicho a mi vieja que yo me quería suicidar. Le recomienda que me lleve al hospital siquiátrica más cercano.

Le he dicho a mi vieja que tenía angustia, pero que nunca me quise tirar del puente, lo que era cierto, pero ella no me ha creído nada. Hace cinco días que no duermo, desde año nuevo. Ayer, en la mañana, rompí mi guitarra eléctrica en el suelo. Me había pasado esas noches insomnes –el puto ácido estaba cortado con anfetaminas- grabando capas sobre capas de guitarras y teclados y voces. He hecho un pequeño disco muy sicodélico, de sonidos cavernosos y guturales. Le he enviado una copia en cassette a Lou Barlow por correo, a la dirección que me anotó cuando tocó en Friburgo. No he dormido nada y tengo miedo. He ido a saludar a Jerome para su cumpleaños y todo ha sido muy confuso.

7 de enero, 1997

Llevo una semana sin dormir y estoy enloqueciendo. No he dormido nada de nada. Sólo cerrar los ojos mientras mi mente sigue despierta fruto de las anfetaminas que traen estos ácidos. Mi cuerpo tiembla. Le digo a mi madre que ok, que me lleven para un chequeo al hospital. Me recibe una siquiatra y le digo que he visto ciudades perdidas, y que siento que el tiempo se detiene al infinito entre cada respiración. Ella ha anotado sicosis, y me ha derivado a un hospital interno para que me evalúen durante dos semanas.

laetitia sadier en extravaganza

2010-04-19T23:10:00.000-04:00

Laetitia Sadier / La estela infinita

19.04.10

La voz de Stereolab vuelve a Chile a presentar su trabajo solista. Convertida en un ícono del pop independiente y experimental, Laetitia Sadier está lejos de dormirse en su fama y sigue su camino gracias a un cuestionamiento constante. Con su elegancia natural y un fino sentido del humor, la diva indie contesta esta entrevista desde su casa en Londres.

Diez años después de venir a Chile junto a Stereolab, Laetitia Sadier vuelve a presentar su trabajo como solista. Con una inspiración en elementos de la bossa nova, Blonde Redhead y Ennio Morricone, la cantante dio vida a Monade, su pseudónimo, hasta decidirse a firmar las canciones con su propio nombre. En una producción conjunta entre Heineken y los Encuentros Internacionales de Música Actual (EIMA), Sadier se presentará en Santiago y Valparaíso.

Laetitia se centrará en sus propias canciones. “La verdad, voy sola con una guitarra eléctrica, y no me sé ninguna de Stereolab, eso será para otra ocasión”, comenta la vocalista, al teléfono desde Londres. Sus temas los lleva desarrollando desde 1996. Ello tomó fuerza el 2003, tras su ruptura amorosa con Tim Gane, con quien tuvo un hijo y fundó el groop (una de los 50 bandas más influyentes en la historia del pop, según Spin), en receso indefinido desde hace un par de años.
Gane componía la música de Stereolab, mientras que Sadier se limitaba a las letras. Por eso, la francesa toma su faceta personal como un desafío, en el que la duda y el cuestionamiento constante se han vuelto una forma para asegurar la calidad de su labor musical. Aquí, un adelanto de la entrevista que saldrá en la edición de mayo de Extravaganza.
Esta es la segunda vez que vienes a Chile…

-Sí, la primera vez estuve quince horas en Chile. Llegamos, montamos, tocamos y nos fuimos.

¿En qué está Stereolab?

-Estamos en un punto muerto.

¿Y Monade?
-Decidí ponerle un término a Monade, también. Ahora, se llamará Laetitia Sadier, aunque es el mismo trabajo evolutivo.

¿Monade es un grupo que formaste en Burdeos, en Francia?
-Monade partió el ’96, como la obtención de un espacio que buscaba para mis propias canciones. Aunque, por supuesto, luego se transformó en una banda radicada en Burdeos. Luego, me devolví a Londres, y también se vino Marie, quien tocaba el bajo conmigo. Durante un tiempo, seguimos ambas, y ahora estoy sola de nuevo.

¿Qué temas piensas tocar en Chile?

-Mira, no habrá nada de Stereolab, porque no me sé las partes de las guitarras. Lo que sí, habrán temas de los tres discos de Monade, y estrenaré bastantes canciones nuevas, ya que acabo de terminar de grabar un nuevo opus. Siempre resulta muy simpático tocar cosas nuevas, y eso, será una sesión principalmente inédita.

¿Cómo ves la evolución de tu trabajo solista?

-Mira, ahora toco la guitarra, y es algo que práctico bastante porque no es un instrumento que interpretase mucho, antes de esto. Básicamente mi forma de escribir canciones se mantiene, aunque me cuestiono mucho. Siempre pongo en duda la validez de mi trabajo, porque quiero que salga algo de calidad. Las puertas se me abrieron para hacer este nuevo disco. Me llamó un productor de Oregon para ir a grabar a su estudio, mis amigos franceses vinieron a Londres a tocar conmigo, en una segunda ronda de grabaciones, y todos los fines de semana yo tocaba dos o tres veces en vivo. Ahora, salió esto de ir a Chile y a Brasil, y todo eso hace que me sienta más segura con lo que hago.

Por Rodolfo García

Participa por entradas en www.heineken.cl

pl2

2010-02-20T17:02:00.001-03:00

playlist

2010-02-09T03:54:00.001-03:00

16º Festival Internacional de Cine de Valdivia: Siegfried – Kinogamma 1 y 2 (2008)

2009-10-25T13:25:00.001-03:00

Durante toda esta semana, Super 45 comenta lo mejor del ciclo “Armonías, música y audiovisual” del 16º Festival Internacional de Cine de Valdivia

El francés Siegfried se ha convertido en un personaje en esta 16ª edición del Festival Internacional de Cine de Valdivia. Reconocible de inmediato por su look tipo Manu Chao, con el pelo largo y rubio sostenido por un turbante y su ropa de viajero errante, como una suerte de Arthur Rimbaud, tras internarse en el desierto. Su estilo de vida sale de lo común.

Le Sig, como se hace apodar, viaja por todo el mundo (en sentido literal y dando la vuelta) capturando imágenes de personas: rostros y miradas de niños, mujeres, ancianos y hombres. “Soy un adicto, no puedo dejar la cámara descansar”, comenta en un castellano marcado por el acento galo. Tiene un largometraje de ficción que se desarrolla en 17 países entre Europa, África, Asia y América, y, en la muestra Armonías, música y audiovisual, proyecta su serie Kinogamma, compuesta de 2 películas.

Además de personas, Siegfried capta paisajes, ciudades, cielos, aviones, metros, en una sucesión frenética de situaciones ritmadas por la música que el mismo compone, o extrae de compositores como Debussy y Shostakovich. Kinogamma 1 (East) retrata la ex Unión Soviética de una forma actual y urgente, aunque sin las pretensiones de un documental histórico-narrativo.

Entre la nieve, Moscú, Estonia, conservatorios, aeropuertos y trenes, Le Sig realiza un montaje impresionista, de mucha luz, como una sucesión de imágenes con una riqueza fotográfica intensa, que se articulan gracias a la melodía. Siegfried rehuye hablar al respecto. En el panel de Cine Experimental realizado en el Sky Bar del hotel Dreams, junto a personajes como el realizador norteamericano Scott Stark, el Sig declara: “Todo lo que tengo que decir lo dicen mis películas, están pasando una en este momento, los invito a verla”. Y se va de la sala.

En las dos Kinogamma, el espectador viaja con Siegfried, imbuyéndose de las sensaciones (auditivas y visuales) que provoca el estar en un elemento extraño y desconocido. En el segundo episodio, Far East, la audiencia traspasa las fronteras para internarse en un universo cada vez más lejano (en atuendos, costumbres, cultura y raíces), aunque sin una pretensión antropológica o explicativa que no sea la de captar la fuerza de una imagen inmediata.

A veces grabadas en un par de meses, las cintas de Sig son el reflejo de sus aventuras junto a su cámara, internándose en la geografía humana y natural del planeta. Sentados a la mesa, en el local Haussman de crudos y cerveza, el Sig anota los teléfonos de los comensales. Tiene ganas de grabar a niños en el norte de Chile. Muestra dos abultados bolsillos y declara: “Esta es mi vida”.

VIDEO: Kinogamma 2

De estas verdaderas bolsas marsupiales extrae puñados de papeles: tarjetas, boletos de avión, direcciones de conocidos en alguno de los tantos países que ha recorrido (desde el Nepal hasta Burkina Faso), papelillos, poemas, recuerdos… Un artista errante, Siegfried no sabe nunca donde estará después, aunque su improvisación de la vida la hace de manera seria y calculada, coordinando posibilidades de acción.

Kinogamma 2 se aleja y se aleja cada vez más, hasta llegar a los cantos cacofónicos y ensordecedores de las mezquitas, que se exponen como un ruido gutural y primigenio, y los campos de colores de la Mongolia profunda. Serio y prolijo en su desorden, el Sig posee un ojo como pocos y una sensibilidad musical virtuosa. Desbordante de talento, es un personaje de gran luminosidad. Un loco, ok, pero un loco lindo, como dicen.

indesign! :P

2009-10-10T00:54:00.002-04:00

pause magazine

sept 10 2005, lanzamiento play con telefon tel aviv, pulseprogramming y l'altra

2009-10-01T16:02:00.001-04:00

Telefon Tel Aviv, L’altra y Pulseprogramming en Santiago

Una agradable pausa junto a los músicos de Play

El 10 de septiembre, tres de los mejores grupos de la sofisticada escena electrónica de Chicago tocaron en el cine Arte Normandie. Y brindaron bastante más que los cinco mil del ticket de entrada. En medio de un jolgorio juvenil salido de alguna escuela de arte o de arquitectura, los intérpretes regocijaron a su audiencia. Por Rodolfo García M.

Joseph Costa retoma su guitarra luego de la explosión de ruido de uno de sus mejores temas: ‘It follows me around’ (me sigue a todas partes) es la segunda canción de su ·lbum m·s reciente, Different Days, publicado en 2004 por Hefty Records. Dicho disco ganó elogios desde el Playboy Magazine hasta Rolling Stone y prensa especializada.

Hace un rato, el vocalista se reía frente al aire inquisidor de una pregunta acerca de la frase: I'm the easy one, all the babies cry for me (soy el chico fácil, todas las nenas lloran por mí), aparecida a título de nada en medio del estribillo. Esta misma es la que le hace repetirse en los tiempos, sin que nadie se de cuenta, por suerte.

Las cuerdas se mueven trastocadas. Silencio, el ritmo prosigue y sus compañeros le alcanzan (Total, no ha sido más de una estrofa en la que Joe cambia los acordes). Uno de ellos es Marc Hellner, egresado de arte en la universidad de Chicago - en la que no todo es economía sino también arquitectura, música y pintura- , quien lidera Pulseprogramming, un colectivo de diseñadores, intérpretes, poetas y cineastas.

Desde sus inicios, Hellner ha colaborado con el grupo de Costa, L’altra. Ahora, el primero esgrime una guitarra cargada de pedales y efectos. El instrumentista logra de esta manera sonoridades únicas, entre viola da gamba, e-bow y un aullido de delfín. Un laptop yace sobre la mesa, además, con secuencias y voces. Una mirada rápida hacia las butacas. El cine Arte Normandie está que explota. No cabe ni un alfiler, a lo más alguno de los vasos cortesía de una empresa de licores emergente (¿Wodka era la marca?). El servicio de bebidas empezó luego del show de los teloneros, la promesa local según la prensa (emol y otros), Javiera Mena y sus incondicionales de hoy: Diego Morales en bajo - Freddi Mitchell - y el cantautor Daniel Riveros - Gepe - en percusión.

Pulseprogramming es, tal vez, la propuesta más atrevida de la noche. …Ésta se enmarca entre un salto hacia el sur de América por parte del trío de bandas presentes -Pulseprogramming, Líaltra y Telefon Tel Aviv-, el lanzamiento del film para el cual ellas compusieron o formaron parte de la música incidental (Play, ganadora a mejor soundtrack en el festival de cine de Valdivia 2005) y visitas anteriores de Costa a su novia chilena.

Junto a proyecciones de fotografías en constante revelado, gentileza de la directora Alicia Scherson - instalada en la sala de máquinas en el segundo piso - Hellner mostró la etapa siguiente a su paso por Pulse: un ambiente casi enrarecido, de largas capas atmosféricas. Una vuelta a la sensación de latidos tranquilos y placenteros, al borde de lo amniótico. Los chicos de la sala callan, sorprendidos. El público es en su mayor parte cercano a los veinte,
una masa anónima y jovial que lanza bromas en medio de risas y saludos.

Desde luego, se deslizan entre ellos algunas figuras más ligadas a los medios, como la actriz Blanca Lewin (protagoniza ‘En la cama’, de Matías Bize). No es raro, es cierto. Desde la venida de los rockeros incendiarios de White Stripes este año, y desde mucho antes, es fácil verla en recitales que podrían ir desde la Sonora Palacios en adelante. La presentadora de VÌa X se escurre de la mano de su amigo rumbo al hall.
Natalia Del Campo, la voz de Concierto y periodista del divertido Sandía (una metáfora feminista que incluye un manual para maridos desconcentrados o inútiles) aparece junto a algunas amigas. Tiene cara de duende. Observa un rato el panorama con sonrisas cómplices junto a sus íntimas. Nadie la reconoce. Ese es uno de los grandes beneficios de hablar a través de las ondas.

Boys and girls
El baño no tiene luz. Incluso, ha adquirido el aire de toilette sucio, oscuro y desvencijado de aquel film de Alejandro Amenábar, ‘Abre los ojos’. En donde el protagonista pierde noción de la realidad en una noche de fiesta. Y eso es hoy ¡Jóvenes! Hay movimiento por doquier: de los servicios al bar gratuito, a la escalera del segundo piso. No hay para qué preguntar acerca del vanitorio para señoritas: Repleto. Encrespadores de pestañas que vuelan ligeros al ritmo de una confidencia o de un suave chasquido de lápiz labial. La puerta se asemeja al disco giratorio de un desfile de modelos: todas con el paso cuidado.
Es que la ocasión es especial, se entiende: tres de los mejores músicos de electrónica de Estados Unidos pueden crear un halo jovial y sorprendente.

¿Qué es esto? Las calles de Santiago siguen igual. Sucias, desiertas. Son las diez y media de la noche. Entre Zenteno y el paseo Bulnes se percibe cierto brillo nocturno, de unas pocas caras felices deambulando por la urbe, como ajenas al cristal agónico de la ciudad durante el día. No hay aglomeraciones, ni embotellamientos, ni bocinas ni la sensación de un millón de seres humanos en una lata de sardinas. Esta noche se respira un aire primaveral, liviano en la densidad de una vorágine cercana a un agujero negro devorando toda luz en cada vuelta de espiral. Se puede sentir casi un olor salino, una caricia que perdonara la decadencia diaria y la automatización.

Mañana será 11. Los más de treinta años que han pasado desde el paso de los Hawker Hunter se hacen notar. Los únicos ruidos son los de los buses por la Alameda, donde más que el hombre libre circula el hombre agotado del nuevo milenio, prisionero de sus fantasmas, demonios y deudas.

Pero, esta noche algo cambia. Los sonidos cristalinos y los ritmos hipnóticos son capaces de hacer olvidar el agobio. Hasta, en el caso de los músicos, la embriaguez bohemia es tal que el mismo Costa, torturado por su identidad norteamericana -est· en contra de la guerra - casi ignora que el día siguiente es una fecha emblemática para su país. El interés es otro: un sentir humano, entre jeans gastados y poleras relucientes.

El trío que toca es Hellner (Pulseprogramming), un larguirucho de movimientos precisos, delgado y de pelo claro, Joe Costa (Líaltra), quien viste una tenida de poeta romántico del siglo XIX y al que mientras canta sus mechas castañas se le vienen a la cara - luce barba de dos dÌas y celebra el debut cinematográfico de su novia, Alicia Scherson - y, fuera de los guitarristas, Charlie Cooper (Telefon Tel Aviv), quien se encarga de ritmos y secuencias tecleando en su laptop.

Éste último es quizás la estrella detrás de bastidores. El hijo de hondureños radicados en Nueva Orleáns enfrentó la destrucción de su ciudad natal por el huracán Katrina, antes de venir a Santiago, realojando amigos y organizando recitales en beneficio de las vÌctimas. Cooper es un excelente productor, reconocido por figuras como David Bowie o Bebel Gilberto. Y se ve el más recatado de los tres. Tiene rasgos latinos, debe medir un metro ochenta y posee una la tez ligeramente morena. Viste un polerón negro con capucha puesta sobre la cabeza.

El show comienza. Prenden las luces del escenario y en la respetable pantalla del Normandie - por la que han pasado todas las cintas prohibidas por una censura histórica que recién terminó el 2003: Buñuel, Almodóvar...- proyectan la sinopsis para Play, con el grupo interpretando la canción central de la cinta.

Los asistentes al evento lanzan gritos de júbilo. Muchos han llegado temprano, a las seis de la tarde, una hora antes de que abrieran las puertas del lugar. En la caja de entrada, ellos pasan por el ticket a lo que será, según el afiche, una noche inolvidable. Éste vale cinco mil pesos. (Moby tocará en Espacio Riesco en un par de días más, con un pésimo sonido de sala y por 44 billetes de a mil).

El tiempo empieza a transcurrir en cámara lenta. Hellner abre los fuegos con elegancia y delicadeza. La atmósfera es la de una respiración contenida, melancólica y sensual. Esto es ‘arte-electrónica’, no dance. Las chicas lanzan un par de suspiros y el auditorio entero parece ensimismarse y quedar maravillado con la belleza tenue y dispersa del espectáculo.

Una sensación cálida recorre los cuerpos un tanto sudorosos por la inusual concentración física de roces, masas y hálitos. Las olas de teclados van envolviéndolo todo, como una marea que no para de subir. Muy pocos quedan sin la boca abierta. De hecho, nadie sabe cuándo aplaudir. Hasta se sienten unos vahos de hierbas dudosas, aunque a nadie le importa otra cosa que dejarse sumergir en las melodías pausadas de Hellner.

El espectáculo termina y se encienden los focos. Los rostros sonrientes, extasiados ante la puesta en escena del ex -Pulseprogramming... Cada cual sale de su asiento para dirigirse al bar por otro Vodka. Éste puede ser en formato naranja, tónica o primavera: para todos los gustos. Como siempre, la palabra gratis provoca acaparamiento y empujones, por lo que el asunto termina mal.
Tras ver presionada la barra por unos cincuenta ansiosos de alcohol, los promotores deciden cerrar el local. Entre tantos ‘Córtenla’ y ‘no me empujes’, los presentes colman la paciencia del encargado.

Esto dura poco: ya apagaron las lámparas y esta extraña ópera de la cultura pop en un mundo globalizado entra a su segundo acto: L’altra. Joe Costa dirige un par de bromas en un español algo torpe, por lo que todos ríen más de sus errores linguísticos que de sus chistes. Los músicos no han venido a hoteles. Los aloja Pepa, la prima de la novia de Joseph, quien les cedió su dormitorio.

-¡Gracias por compartir tu cama con dos de nosotros!, dice con reconocimiento el músico, tras lo que se da cuenta, producto de las risas de la concurrencia, de que lo que acaba de decir se puede interpretar de más de una manera y se sonroja. Pepa está en primera fila y casi llora de tanto reír cuando alguien grita:
-¡Buena Pepa!

L´altra es uno de los grupos más conocidos entre quienes asisten al concierto. Joseph Costa estuvo en Santiago mientras Scherson ideaba Play. Asimismo, Él volvió cuando la chilena grabó la película, en el verano del 2004. Los primeros shows de Costa en el país datan del 2002, cuando sus afiches - pegados en sitios como la disquería Billboard de Providencia o el Bar Litio de Ñuñoa- rezaban ‘NO + Sangre X PETRÓLEO’.

Ahora, quienes le ven en el Normandie reconocen las canciones cuando éstas comienzan. Un entusiasmo inusual enciende ánimos y silbidos. En la pantalla, Alicia Scherson proyecta imágenes de una casa que está siendo demolida, una carretera, cables de alta tensión: Costa canta, baila y deja que sus dedos vuelen sobre las cuerdas de su guitarra. Lo apoyan Hellner y Cooper, con quienes ensaya desde hace un tiempo, asÌ que est·n buscando un nombre para la banda.

Nueva pausa.
Una punk empieza a increpar al guardia del hall: -¡Facho de porquería, cuico!, le grita al tiempo que su pololo, que apenas puede sostenerse de tanta cerveza ingerida, la saca del lugar. Él tiene un peinado a lo mohicano y usa una chaqueta militar con pantalones muy ajustados, y las clásicas botas negras, por supuesto. Ella es más bien rellena y usa demasiado maquillaje en los ojos.

Es raro, pero de todos los eventos ‘a la moda’ - los que en su mayoría se cuelgan de la pose más que del buen gusto - Éste era la excepción. Y aquél que menos fines de lucro tenía, sino el hecho de disfrutar un momento de plenitud estética y emocional. En fin, parece que eso no se nota a ojos de los eternos rebeldes ante el sistema.

Charlie Cooper, Mr. Telefon Tel Aviv, empieza a tocar. Esta vez son sólo melodías procesadas y la mezcla entre la máquina y el hombre. A ratos pareciera una industria algo brutal con tantos ritmos quebrados. Un par de muchachas salen, espantadas. Luego de tres recitales, los oídos se cansan.
-¡Soy electrónico!, bromea una de ellas.

Bájatelo
Las imágenes proyectadas son esencialmente fotos minimalistas y la música adquiere una cadencia misteriosa y tribal. En medio de esta catársis, sonidos al límite de lo pastoral como flautas y pianos se confunden entre bajos, bombos y breakbeats. Una parte de los espectadores escucha el concierto de pie, ya que la avalancha sonora es más dinámica.
En los pasillos, un hombre de unos treinta y tantos le pregunta a Joseph Costa donde pueden comprar su disco él y su pareja.

-¡En Soulseek.com!, responde el cantautor.
Éste es un programa del estilo de Napster para compartir archivos por Internet. ¡Al diablo el comercio!, entonces. Hellner, mientras tanto, se ríe. Eso hasta que se acerca Viviana Herrera, la actriz principal de Play. La mujer le confiesa entre castellano e inglés, y con un dejo innegable de coqueterÌa, que le encantó su presentación.
Hellner no entiende y queda dubitativo luego de que ella se despide. Quiere saber qué le dijo: Él no entiende español, ni ella inglés, y entre ambos hubo ‘onda’ en la fiesta que siguió a la première de Play, unos días atrás: algo que al norteamericano le hace maldecir un poco su impasse idiomático.
Cansados, pero risueños y satisfechos, quienes han ido a ver este concierto se marchan, con la certeza de haber visto algo único. Una locura más, otra incoherencia en este Santiago de asfaltos desgastados y hoscos: Algo hermoso y a atesorar, también.

cat power@super45

2009-07-24T23:17:00.000-04:00

Cat Power: De heridas y caricias

Artículos | Por Rodolfo García | July.5.2009

Tags: cat power

El próximo 21 de julio se presentará en el Teatro Caupolicán de Santiago una de las voces más singulares del neo folk. Ahora, con tintes de soul y al rescate de artistas como Aretha Franklin, Chan Marshall atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. La mujer tras Cat Power pasará por Chile para presentar su alabado repertorio y es la ocasión precisa para revisar su destacada carrera como intérprete y compositora.

Una tarde, Charlyn Marie Marshall se despierta a las tres, confundida y con su habitual vaso de scotch en la mano. Alguien llama a su puerta y ella no quiere abrir. Últimamente, su vida gira en torno a una gran depresión. Tras casi quince años de tocar la guitarra, el piano y cantar en discos y en público –de rock and roll, al fin de cuentas-, Chan, como la apodan, llega al límite y toca fondo. Su propia imagen, corroída por la tristeza y dibujada en Rolling Stone, la anonada.

Bajo su alias de Cat Power, ese viejo nombre con el que se escuda y define a la hora de interpretar, Marshall acaba de lanzar su disco The Greatest (Matador, 2006), tal vez el que mejor refleja el estado de vacío y destrucción en el que se encuentra. La que toca la puerta es una amiga que había tomado un vuelo de dos horas para socorrerla. ¿La solución? Internarse. Mientras el disco la lanza a un cuasi-estrellato (a ella, la chica indie despreocupada y siempre emergente), Chan se recupera de la soledad en la que había encontrado como único consuelo el beber.

Lo que para muchos creadores es un medio para desinhibirse, para Cat Power era un estilo de vida. Desde entonces, Charlyn Marshall está sobria. Lo complejo resulta ser lo difícil que es renegar del tremendo legado en canciones que dejó antes de ello. Es paradojal que The Greatest sea considerado por parte de la crítica como su mejor entrega, siendo que como persona ella estaba en su peor momento.

VIDEO: Cat Power – “The greatest” (en vivo, Jools Holland)

Entretención sana y limpia

La vida de Chan Marshall, una joven que acaba de dejar la adolescencia y afincada en la ciudad de Atlanta, cambió su rumbo el día en que ella abrió para Liz Phair en Nueva York. Entre el público que asistía a ver a la rubia -revelación en los circuitos arty y hype-, estaba Steve Shelley, el baterista de Sonic Youth y dueño de la pequeña disquera Smells Like Records.

Chan Marshall, por la época, poseía un repertorio intenso y crudo, de cuerdas tensas y voces desafiantes, el que encandiló al batero, quien la fichó y decidió sumarse a su proyecto como banda de apoyo junto a su amigo Tim Foljahn de Two Dollar Guitar. De esta banda nace Myra Lee (Smells Like, 1996), un mini álbum que sorprende por su capacidad de exorcizar historias nunca resueltas y por lo descarnadas de sus canciones.

Este intento –que sigue a Dear Sear, un 10” debut- posee un estilo amenazante, siempre a punto de romper el hilo, gótico y sureño. De factura lo fi – o de tomas en vivo-, Myra Lee sorprende por la radicalidad desnuda y simple de su propuesta, afilada como una navaja, o las uñas de un gato. El errar de sus días en Atlanta, tras dejar un hogar destruido en Georgia –criada por su abuela con padres jóvenes y separados -, forman el material para las extremas evocaciones del disco. Amigos yonquis, punks, y círculos de jóvenes desesperados y perdidos son su fuente de inspiración.

Muy interesante para una joven de su corta edad –Marshall tiene poco más de 24 años-, el álbum pasa de mano en mano hasta llegar a las oficinas del respetado, aunque confidencial, sello Matador, que edita parte de lo mejor del momento, con Pavement, Yo La Tengo y Helium entre sus filas. De nuevo con Foljahn y Shelley en el estudio –el muy de moda Easley Recordings-, Cat Power esgrime su primera carta más visible, el mismo 1996: What Would The Community Think.

VIDEO: Cat Power – “Nude as the news”

El single “Nude as the news” se transforma en un pequeño éxito alternativo, y le permite a Marshall ir de gira por Estados Unidos y Europa, alcanzando una notoriedad indie gracias a su estilo folk. Lo acústico recién eclosiona desde el underground con autores como Smog y Sentridoh, y Cat Power surge como una respuesta femenina y atractiva. Cuando no contradictoria, al dejar varias veces la guitarra tirada en el escenario luego de tres canciones a causa de los piropos insistentes de la audiencia masculina.

Marshall se sitúa en el borde, con temas como “Good clean fun”, donde se condena desde ya: “después de esto / ya no habrá entretenimiento sano y limpio”. Además, brinda entrevistas con la cabeza en la luna –y en la copa- y el novio de turno al lado. Sus canciones tienen tanto de belleza como de destrucción y nostalgia, y algunos medios indie la comparan a un tardío Kurt Cobain. En este tiempo, Chan se empareja con Bill Callahan de Smog, y se inspira en gran medida de su nihilismo a la hora de grabar y componer canciones.

La luna y la libertad

Durante 1998, Chan parte a Australia para reunirse con un par de músicos que destacan por su trabajo en The Dirty Three: el baterista Jim White y el guitarrista Mick Turner. La banda de ambos –completada por el violinista Warren Ellis- genera gran interés en la época, tras su brillante Horse Stories, que revoluciona las maneras de entender una explosión instrumental desatada de folk, western y blues.

VIDEO: Cat Power – “Cross bones style”

De las sesiones en Oceanía nace Moon Pix, un disco que se nutre de las texturas de White y Turner, además de piano y flauta, lo que adorna en gran medida los temas de Cat Power, basados en el canto y la guitarra. Las metáforas siguen siendo crípticas, pero la desesperación inicial ya ha pasado y deja espacio a atmósferas más misteriosas que inquietantes.

Los amplios espacios australianos bañan composiciones como “Cross bones style”, segundo éxito independiente de Marshall. El tercero vendría de la mano de una versión de The Honeydrippers: “Sea of Love”. Esta será incluida en The Covers Record (Matador, 2000), donde Marshall tributa a artistas como los Rolling Stones y Smog, con su particular estilo. 2003 es el año en que publica su primer material propio desde Moon Pix: You Are Free.

VIDEO: Cat Power – “He war”

En este álbum, con el que un horizonte más amplio la descubre y empieza a hablar de ella, más allá de los reductos indie y los fanzines, Cat Power se reafirma y alcanza una cierta estabilidad. Sus canciones, como “He war” suenan firmes y decididas, escritas y firmadas con una mano sólida gracias a la experiencia. Tanto así que se da el tiempo para sacar al año siguiente un DVD con temas grabados al aire libre y al natural: Speaking For Trees (Matador, 2004). Estos serán los últimos destellos de una Marshall luminosa, con voluntad y creativa, antes de sumirse en la depresión insigne que daría como fruto The Greatest.

Hey, Aretha, canta una para mí

El soul, el jazz y el funk comienzan a permearse en Cat Power, quien se inspira de Aretha Franklin y James Brown esta vez –dejando atrás el indie folk-. El disco que construyó desde su auto-inflingido infierno resultó ser el que le valió la entrada a las masas, con entrevistas en las principales cadenas norteamericanas debido al éxito de ventas y popularidad del álbum. The Greatest llega incluso a ser reeditado por Matador en una edición económica y formato best seller.

VIDEO: Cat Power – “Lived in bars”

No hay nada como vivir en una botella y como terminarla en pos del mundo, canta Marshall en “Lived in bars”. Su estilo más accesible dio frutos inmediatos, con sus aires retro (años ‘70) y de moda, y gracias al apoyo de leyendas del género en el estudio. En la misma línea, y aún más sofisticado, aparece Jukebox (Matador, 2007), su último álbum a la fecha y una nueva compilación de versiones, esta vez con un toque más acorde al soul que ha venido explorando.

Rehabilitada y sobria, Marshall se preocupa ahora de su apariencia y se ha convertido en una mujer sexy y sugerente. Formó una nueva banda, con talentos como su amigo Jim White y el ex –Blues Explosion Judah Bauer, con quienes se espera toque en Chile. Su nuevo repertorio, con sus interpretaciones de “New York, New York” o “Aretha, sing one for me”, la sitúan en una nueva dimensión en la que Chan se siente cómoda y le ha brindado frutos.

Discografía Recomendada: Maullidos, rasguños y ronroneos

You Are Free (Matador, 2003)

Una fuerza y precisión inéditas en la más bien dubitativa Chan Marshall inundan You Are Free. Tras ocho años de carrera discográfica, Cat Power enfrenta el camino con firmeza. Sus nuevos temas, los primeros en un lustro en ser editados dan fe de que ya no es una principiante experimentando de manera intuitiva.

Con el apoyo de invitados ilustres, como el violinista Warren Ellis de Nick Cave and The Bad Seeds, Dave Grohl de Nirvana y Eddie Vedder, la norteamericana logra un álbum más tenso y acotado. Los esfuerzos previos sirvieron para que Marshall explorase distintas maneras de escribir canciones, hasta llegar a una síntesis exacta en este disco.

“He war”, “Free” o “Werewolves” tienen el encanto habitual de Cat Power, aunque perfeccionado. Su banda suena por primera vez menos minimalista y es posible percibir un mayor diálogo entre los instrumentos (como la guitarra y la batería) en algunos pasajes, incluso rock.

Moon Pix (Matador, 1998)

Un disco más maduro que los experimentales inicios de Cat Power, Moon Pix presenta a una cantante menos incierta a la hora de firmar sus canciones. Tras giras por Estados Unidos y los clubes de Europa, y el aprecio de la crítica hacia su debut para Matador, Chan Marshall esgrime temas intensos en clave folk. Lo suyo aquí es enmudecer y dejar inmóvil al auditor, apoyada por los sólidos Mick Turner y Jim White de los australianos The Dirty Three, país donde se grabó este álbum.

Las texturas nostálgicas de los sureños impregnan los arreglos cuidados de la norteamericana, la que logra aquí su mejor acierto. Las citas son directas y Marshall se da el tiempo para recordar a Bob Dylan con su “Colours and the kids”. Con aires introspectivos, como la calma tensa y oscura antes de una tormenta, Cat Power se encuentra en un período de gracia donde compone, tal vez, lo mejor de su repertorio (al punto de re-versionar el tema “Metal heart” hace un par de años).

“Back of your head”, “He turns down” y “Cross bones style” muestran a una compositora capaz de elaborar letras misteriosas y crípticas, junto a melodías que hipnotizan, a modo de un muy bello consuelo. Moon Pix confirma con creces la promesa que era Chan Marshall y la proyecta como una de las iniciadoras de la actual escena neo folk (Julie Doiron, Mirah, Tara Jane O’Neil).

What Would The Community Think (Matador, 1996)

Las tres primeras canciones del segundo álbum de Cat Power tienen el poder de un disco entero. Sutiles, descarnadas (”Good clean fun”) o para quitar el aliento (”In this hole”), Chan Marshall apunta al hueso sin remordimientos. El single “Nude as the news” desgarra con su intensidad mordaz (“Jackson, Jesse, tengo un hijo en mí, y está relacionado contigo”), impropio para sus pocos años, irreverente y, desde ya, su primer clásico.

Ya esos cuatro temas se los quisiera cualquier compositora durante su juventud (a la par de la grandeza inmediata de Polly Jean Harvey), con una inocencia hippie a la hora de tocar aires neo country de resaca tranquila junto a sus nuevos amigos. En este caso, Steve Shelley de Sonic Youth y Tim Foljahn de Two Dollar Guitar, quienes se unen junto a Marshall en un segundo esfuerzo en un año (tras el debut Myra Lee). Llega el turno de empezar en grande, artísticamente hablando, y nada menos que para Matador, la disquera indie del momento.

What Would The Community Think mece, rasguña, se sacude, paraliza, emociona. Todo al mismo tiempo y sin mediar un porqué. Este disco vale una condena, quién sabe si una redención. “Bathysphere”, el tema de Smog que Cat Power incluye aquí, abre la interrogante: “Y si el agua corta mi cuerda, suéltenme libre. No me importa”.

“Water and air” incluye historias inconclusas, difíciles de conectar, a la manera de una Ofelia trágica con un amante que se va bajo el agua, noticias de amor y muerte simultáneas en el periódico. No haces eso a tus veintitantos. Menos al comenzarlos. A menos, claro, que seas Cat Power.

Myra Lee (Smells Like, 1996)

El álbum debut de Cat Power es descarnado y lo-fi. Con Steve Shelley en la batería y Tim Foljahn, Myra Lee se pasea entre el folk, el country y el blues con aires añejos y del sur de Estados Unidos. Unos principios totalmente secretos, estos temas contienen frescura y emotividad, cuando no uno que otro exceso. La búsqueda intuitiva y minimalista de la joven cantautora alberga una llegada profunda y cálida.

“Ice water”, “Rockets” y “Enough” demuestran el enorme potencial de esta nueva revelación, y se sitúan como atemporales desde ya. En una época de guitarras distorsionadas, bajos funky y neo metal, Cat Power se remite a la herencia de Dylan, Fleetwod Mac y Joni Mitchell con una garra punk heredada de su admiración por Black Flag. Con melodías intrigantes, a veces desoladas, Chan Marshall explora territorios peligrosos e inestables, confusos y perturbadores.

Myra Lee es de esos discos en los que más vale dejar un hilo que señale el camino de vuelta, so pena de perderse en un bosque oscuro y tenebroso.

2009-06-23T02:40:00.004-04:00

My Bloody Valentine "Soon" (1990)
by orphanie

My Bloody Valentine "To Here Knows When"
by fab2609

Swallow
by herve31

My Bloody Valentine - Only Shallow

2009-05-25T23:06:00.002-04:00

Guillermo scott herren. sleeping on saturday and sunday afternoons. tour cd prefuse73.2003

2009-03-04T00:52:00.006-03:00

(Silencio.)

Sin palabras,

la voz

desaparece,

sólo

imagen

sonido,

en un estado puro.

La escenografía perfecta

adiós ego

una imagen difusa

se esfuma

blurred visions caught

Still

Fotómetro

Que la luz estalle

O sea cálida

O lo queme todo

Tenga el ardor de una vela

que se agita con cada respiración,

con cada parpadeo en un instante inmóvil

y extático

luego el silencio.

2009

2008-12-26T14:37:00.002-03:00

2008-12-24T18:22:00.001-03:00

Pavement - Brighten the Corners (Matador)

Por Rodolfo García | 23 December, 2008

Luego de explorar la mezcla entre ruido, pop y rock en sus tres primeros discos, generando un sinnúmero de imitadores (incluidos Blur) y convirtiéndose en un baluarte del indie, Pavement da un giro en Brighten the Corners (Matador, 1997). El sonido es mucho más limpio y ordenado que los álbumes anteriores, depurando las canciones hasta dejarlas bien pulidas. Esto generó rechazo en ciertos fans, mientras que abrió, también, puertas para que nuevos oídos incorporasen esta banda en su alimentación diaria.

Formados en 1989, y con experiencia en giras y álbumes, el quinteto norteamericano decidió abandonar su fórmula de improvisar en el estudio para realizar un trabajo más acabado. El afamado productor Bryce Goggin (Dinosaur Jr, Bettie Serveert) ayudó a guiar esta labor. En el camino, Pavement incorporó toques de jazz, blues y una pizca de hip hop en algunas voces, como en la de “Blue Hawaian”. Suena a su estilo, pero fresco y renovado, y, lo más importante, conservando la calidez y la emoción que hacen de este grupo un manjar para los oídos. La melódica “Shady lane” y “Old to begin” dan cuenta de este cambio, con una fuerte influencia del rock primitivo (Creedence Clearwater Revival) y del country.

“Nena, no soy un futurista”, canta Stephen Malkmus, y es fácil entender porqué la banda calzó en sus inicios tan bien en el sello que fundó el country ‘alternativo’ con Palace Brothers y Smog, Drag City. Pavement es música que remite a las carreteras y a los grandes espacios de Estados Unidos, al bello norte de California y al río Colorado. “Stralings in the slipstream” presenta un recorrido por la geografía de América del Norte, con el humor absurdo característico del cantante: “No hay mujeres en Alaska, ni mulatas en Vermont, no hay costa en Nebraska y otras que olvidé”, mientras que las guitarras se funden en una deliciosa americana con toques de Ennio Morricone pasados por las teorías expansivas de Sonic Youth.

“Type Slowly” remite a esta atmósfera -del Estados Unidos no urbano, o al menos, sureño, como el que narra Truman Capote en sus primeras novelas góticas- con sus tempos tranquilos, y sus acordes cuidados, para luego perderse en una exploración lisérgica. Todo lo que la banda aprendió en la experimentación desbocada y salvaje de Wowee Zowee (1995, Matador), se encuentra aquí ya incorporado, madurado y procesado, como un vocabulario musical propio.

La nueva edición de Matador incluye el álbum remasterizado, más treinta inéditos que dan cuenta del enorme momento creativo en el que estaba Pavement. Las críticas ante el cambio de estilo caen aquí, ya que los excelentes descartes dan cuenta de un arduo trabajo de selección, que dejó afuera versiones excelentes como la de “And Then (The hexx)”, pensada en una primera instancia como la obertura del álbum. La canción posee una fuerza intensa y narcótica, a años luz de la versión que saldría luego en Terror Twilight, el álbum final del grupo, y se presenta como uno de los mejores temas compuestos por Pavement. Mención aparte merece, también, la increíble toma de “The Killing Moon”, original de Echo and the Bunnymen, realizada para el prestigioso show de John Peel en la BBC1 de Londres: el final de guitarras es impresionante, así como la emotividad y desgarro con que Malkmus impregna el tema.

Esta vez, el impulso autoritario del vocalista se ablandó y el guitarrista Spiral Stairs compone y canta en dos canciones, de factura pop: “Passat Dream” y “Date w/Ikea”, que servirán como base para su trabajo posterior junto a la Preston School of Industry, donde confiesa sus influencias: Johnny Marr, Robert Smith y Lou Barlow. Resulta divertido constatar que en Estados Unidos Pavement sea la banda más británica que existe. Su sonido revela exquisitas influencias, tan lejos del punk barato y comercial que en esos años comienza a hacer furor en las tierras del norte, como del nü metal que arrasa con los charts gracias a Limp Bizkit y Korn.

Pavement son literalmente unos extraterrestres (trendy y muy cool, pero extraterrestres al fin y al cabo), con sus posturas clásicas y anticuadas de joven aficionado a la Road Movie, y por otra parte, dejan anonadado con sus arranques vanguardistas. Ok. Pavement es arty. ¿Y qué? Supongamos que gracias a su búsqueda se enmarcan perfectamente como el prototipo indie, y que con ello dejan de lado a las cientos y miles de bandas que aún imitan a Siouxsie, a la música industrial o las viejas glorias de 4AD, y se cuelgan del atributo de independiente porque nadie quiso publicar sus trabajos, tan malos que eran. En realidad, puede que indie se remita más a una búsqueda de libertad artística (rigurosa, lúdica y coherente), que a ser una fotocopia de algún grupo ‘alternativo’. Hoy muchos se atribuyen el nombre, a causa del fenómeno de la moda, pero pocos se lo merecen. La independencia va mucho más allá de lo monetario.

myspace.com/pavement

La industria se mueve en Valdivia (para paula,cl)

2008-12-18T21:53:00.001-03:00

La industria se mueve en Valdivia
Cine

Por Rodolfo García.

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Janneke Langelaan es una linda holandesa de 26 años que ha sido nominada reina del festival de Valdivia, y es la primera vez que viaja a Sudamérica. Esta joven de tez blanca y ojos azules viene más que por turismo. Es la representante del fondo Hubert Bals del importante Festival Internacional de Rotterdam, de Holanda. En el pasado, dicha organización ha contribuido con fondos para Tony Manero de Pablo Larraín y ahora lo hace con El cielo, la tierra y la lluvia, de José Luis Torres Leiva, recién estrenada aquí en la rivera del Calle Calle, y participa de la Quinta Mesa de Negocios del Festival de Valdivia, vital para el desarrollo de nuevos proyectos.

“La primera película chilena que pude ver fue Play y quedé sorprendida. El cine chileno, por lo menos el que llega a los festivales en Europa, ha demostrado ser de buena calidad”, precisa Janneke. “Nosotros apoyamos películas que salgan de lo común y que por lo general no tendrían cabida ni financiamiento en los circuitos comerciales, como el cine de Torres Leiva, que se basa más que nada en la fotografía. Vi los documentales de José Luis y me gustaron mucho, por eso decidimos ayudarlo”, explica.

Janneke va en el barco que lleva a los involucrados en el Festival de Cine de Valdivia –jurados, directores, actores, prensa- desde el centro de operaciones del certamen, el Hotel Villa del Río, hacia el centro. La acompañan el alemán Meinolf Zurhorst, director de la cadena de televisión franco-germana Arte, un ícono dentro del cine de autor en Europa, y la española Olimpia Pont, del Co-Production Office europeo, una “compañía internacional de ventas y producción de cine para una selecta colección de películas atrevidas y cautivadoras”, según indican en la organización del Festival de Cine de Valdivia.

Olimpia Pont ha venido a evaluar películas chilenas en gestación, el llamado “work in progress” que se exhibe en funciones privadas en el hotel, y que incluye este año cintas como La nana, la nueva cinta de Sebastián Silva (director también de La vida me mata) y Tiempos malos, de Cristián Sánchez. Pont espera encontrar algo lo suficientemente atractivo como para apoyarlo económicamente. Por otra parte, Meinolf Zurhorst vino a ver qué puede comprar para exhibir en el prestigioso canal que dirige. Hace un tiempo quedó maravillado con En la cama, de Matías Bize, que pasará por televisión en Europa a fines de 2008. “La dieron en salas, ya que era una producción que contaba con financiamiento de un fondo alemán”, cuenta Zurhorst.

En el hotel ha quedado el norteamericano Santosh Daniel, de la Global Film Initiative, quien ha provisto de fondos al film Paréntesis (de Pablo Solís y Francisca Schweitzer) y distribuyó La Sagrada Familia, de Sebastián Lelio, en Estados Unidos (exhibición en salas, televisión y aviones). Con raíces en la India, Santosh Daniel trabaja en esta oficina independiente sostenida económicamente por filántropos que prefieren quedar en el anonimato, y que levanta unas diez películas al año a lo largo del globo.

LA DOLCE VITA

El grupo se dirige al elegante restaurante Agridulce, al borde de la costanera valdiviana, donde se reúnen con miembros del jurado como Paula Astorga, fundadora del Festival Internacional de Cine Contemporáneo en Ciudad de México (DF), y Tiziana Finzi, programadora de los Festivales de Locarno y Venecia. En la mesa, se pide jabalí y jaiba, y la conversación se desarrolla en inglés y francés junto a un agradable vino carmenère.

“Tendemos a conocernos en alguna parte, todos viajamos alrededor del mundo recorriendo festivales”, indica Meinolf. Este es parte del núcleo duro del cine arte mundial. Sofisticación, aviones y hoteles cinco estrellas son parte del menú anual de estas personalidades, las que elevan a Valdivia a una categoría que incluye muestras como la de Berlín y Cannes, con un perfil mucho más modesto. Un buen rubro en el cual trabajar, con tantas externalidades positivas.

A la cena, llegan luego Carlos Núñez y Gabriela Sandoval, la pareja que dirige el Festival Internacional de Cine de Santiago, Sanfic. “Como me dedico a esto, me toca estar viajando todo el año, para saber qué es lo que está ocurriendo en la industria”, declara Carlos. Con su mujer vinieron en buena onda y bajo invitación de la competencia. Es aquí donde se efectúa el rito más importante: el intercambio de tarjetas entre los asistentes, quienes a pesar del ambiente distendido, tienen claro que siempre puede surgir algún negocio potencial. Núñez le entrega el catálogo del último Sanfic a Meinholf Zurhorst, quien se excusa de no poder asistir, pues las fechas coinciden con el Festival de Sarajevo en Yugoslavia. La escena es divertida: ambiente cool, pero agenda estricta y copada.

INTERÉS LOCAL

“Dentro de lo que seleccionamos como material chileno para comprar o coproducir, está el rol primordial que debe jugar la naturaleza chilena dentro de la cinta”, acota Zurhorst respecto a las decisiones estratégicas de Arte. “La naturaleza tanto de las personas como del entorno, como en la película de Wood sobre este pescador. Para nuestro público en Europa, les da la posibilidad de encontrarse con un lugar que no verían de otra manera, lo que me parece bien”, especifica el alemán.

“Con la película En la cama fue distinto, porque todo trascurre en la pieza de un motel. Es muy difícil mantener la atención del público en esas circunstancias por 90 minutos”, aclara Zurhorst. “Es interesante como se trata acerca de sexo, pero que no es mucho lo que se muestra, sino que todo se basa en los diálogos, lo que la hace muy especial”, prosigue.

¿Compras películas en todo el mundo?
Sí, y coproduzco básicamente en Europa.

¿Qué expectativas tienes?
Es la primera vez que vengo a Valdivia y estoy recorriendo la muestra de cine chilen.

Tanto Daniel como Zurhorst se quejan del problema de que no exista ningún organismo oficial en Chile que se dedique a la promoción del cine nacional en el extranjero, a la cual los agentes puedan acudir para solicitar copias o información. “Al parecer entre las instituciones de apoyo, que son Corfo y Prochile, aún no pueden ponerse de acuerdo en quien llevará la bandera”, comenta Daniel.

LAS FIESTAS Y EL LOBBY

Además de una entidad que reúna los esfuerzos de promoción, ambos extranjeros se quejan de que no pueden entender mucho de las películas que han visto en plan de compra, como 199 recetas para ser feliz de Andrés Waissbluth, ya que ninguna está subtitulada en inglés. ¿Le falta crecer en este aspecto al Festival que quiere ser una ventana para el cine chileno? “En todos los festivales de clase se hace, vas a ver una película, y está con subtítulos, para que los agentes de la industria puedan entender la cinta y evaluarla, incluso las mismas películas chilenas que salen a mostrarse afuera, van en copias con leyendas en inglés. ¿Por qué no se hace aquí?”, inquiere Zurhorst molesto y frustrado.

En la fiesta en el centro de reunión después de la jornada, el Ocio bar, Waissbluth intenta compensar explicándole el argumento de su cinta al alemán, y prometiendo enviarle un DVD con subtítulos. A la celebración llegan actores como Andrea García-Huidobro y Pablo Macaya, más gente de producción y vinculada al medio, como Javiera Undurraga de In-Edit, y Pablo Illanes, quien ha venido a exhibir el tráiler de su proyecto de cine gore, Baby Shower, su largometraje debut. La música está a cargo de Philippe Boisier y de Sebastián Lelio, y los negocios continúan en medio de la taquillera pista de baile.

El productor de la película La Nana, de Sebastián Silva, rescata el gran valor del festival de Valdivia. “Tienes que estar en las fiestas del Ocio, en los almuerzos y paseos, es esencial pues ahí se crean oportunidades de contactos. En ese sentido, Valdivia se sitúa dentro de la corriente de los festivales a nivel mundial, que son agotadores, ya que en la mañana estás en reuniones de negocios y workshops, en la tarde muestras tu película y en la noche haces lobby. Lo bueno es que este festival rescata mucho el valor de la imagen, y el trabajo de autor de los realizadores”.

Augusto Góngora, director del área cultural de TVN, coincide. “Los festivales de cine se hacen para dos cosas, para pasar películas y para hacer negocios. En ese sentido, es vital la presencia de gestores internacionales de la industria para su desarrollo a nivel chileno. La Quinta Mesa de Negocios que ocurre aquí es por ende muy relevante, y no es algo que yo haya visto en los otros festivales del país”.

“Está muy bien que vengan estos representantes extranjeros, y que existan estos encuentros. Ellos permiten gestionar una película desde la base misma del guión en adelante. Creo que es fundamental la presencia de estos gestores que hacen posible la realización de una cinta desde sus inicios”, comenta el director Matías Bize, quien se encuentra dando forma al proyecto que será el sucesor de Lo bueno de llorar, su último largometraje.

El lobby es válido y necesario. Mientras por los parlantes del Ocio todos bailan al ritmo de MGMT o Chemical Brothers, el mismo Bize se acerca a conversar con Meinolf, seguido de Sebastián Lelio quien ocupará su mismo asiento. “¡Dios mío! Nunca se acaba el trabajo”, exclama Zurhorst mientras bebe un sorbo de cerveza.

EPICENTRO DEL CINE CHILENO

“Si quieres estar en el cine en Chile, conocer el ambiente y a quienes se desenvuelven en él, es esencial que vengas a Valdivia, aquí está todo”, resume el productor de La Nana. Iván Pinto, del sitio web especializado en crítica La Fuga, va más allá. “No sólo los negocios se dan acá, si no una reflexión y un acercamiento muy rico alrededor del cine. Se da un espacio real donde la gente puede conversar y cuestionarse”, recalca. Pinto participa de la organización de los workshops o foros abiertos de trabajo del Festival de Valdivia, los que se realizan al lado del embarcadero del Calle Calle en la sala Ainilebu.

Los temas agrupan asuntos como la libertad de prensa con una video conferencia con la documentalista Elena Varela, cuyo material grabado en tierras mapuches fue requisado por la policía y ella encarcelada, tras lo que permanece con reclusión nocturna. También, se discute sobre las nuevas estéticas en el cine nacional, los financiamientos posibles para el cine latinoamericano y las limitaciones de la crítica, entre otros tópicos.

Las expectativas de los entrevistados (directores, agentes, productores) apuntan hacia un crecimiento de Valdivia como un festival importante a nivel latinoamericano. ¿Ayudará el subtitular las películas? Santosh Daniel no duda acerca de ello. Es su segunda vez en el país y piensa volver. “La calidad de los jurados, como el hecho de tener a Tiziana Finzi de los festivales clase A de Locarno y Venecia, apunta a una calidad única”, indica el programador Gonzalo Maza.

El trance de Animal Collective (paula.cl)

2008-12-18T21:50:00.000-03:00

Nov 05
El trance de Animal Collective
Música

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Por Rodolfo García.

Desde su formación en Nueva York el 2000, el grupo norteamericano Animal Collective se destacó de inmediato dentro del panorama de la música indie. Su mixtura improbable de electrónica, rock, punk, pop, ruido y psicodelia se hizo notar desde un comienzo por su carácter vanguardista e intenso. “Somos amigos desde la infancia y siempre hemos hecho proyectos musicales juntos. Animal Collective es una consecuencia de eso”, señala Brian Weitz, alias Geologist, el tecladista y encargado de los samplers en la banda.

Independientes desde un principio, los norteamericanos –que incluyen también a Noah ‘Panda Bear‘ Lennox y David ‘Avey Tare‘ Portner– autoeditaron su debut por su propio sello Paw Tracks. “No encontrábamos a nadie que quisiera publicarlo, y tampoco queríamos cambiar nada de su sonido”, precisa Weitz. Ahora, con 8 álbumes bajo el brazo, los Animal Collective están fichados en una de las disqueras independientes más prestigiosas, la inglesa Domino Records, casa de Juana Molina, Franz Ferdinand y Arctic Monkeys, y se presentan en festivales connotados como Coachella y Pitchfork en Estados Unidos como cabecillas de afiche. El show en la Industria Cultural los trae en su mejor momento, con una propuesta actual y un nuevo disco que sacan en enero.

¿Se consideran experimentales?
En el estudio y en los ensayos experimentamos mucho. Buscamos sonidos y armamos canciones, pero lo que sale en los discos y en vivo es un producto premeditado que ha sufrido distintos procesos de composición y posee una estructura probada una y otra vez. Para el nuevo álbum, Merriweather Post Pavillion, que sale a mediados de enero, grabamos los instrumentos y los manipulamos digitalmente a través del sampler, y quisimos darle un toque electrónico mucho más marcado. En el show en Chile tocaremos la mitad de temas nuevos, y la otra de temas antiguos retrabajados para la ocasión y actualizados.

¿Cuáles son sus influencias?
Escuchamos de todo, desde el indie rock de Pavement y Sebadoh, hasta sicodelia y rock de los sesenta como Love, Pink Floyd y Silver Apples, y electrónica como la de Aphex Twin. De hecho, me gusta mucho el minimal del sello Kompakt y lo que hace Ricardo Villalobos. Soy fan suyo, varias veces intentamos que nos hiciera una remezcla pero sin éxito. Los Jaivas me gustan mucho, también.

¿¡Conoces a Los Jaivas!?
En Nueva York tenemos un amigo que colecciona sicodelia sudamericana antigua, y trae discos desde Perú, Uruguay y Chile. Él nos grabó copias de Los Jaivas y Congreso, lo que nos agradó mucho. Yo me había interesado ya en la cultura de por aquí, el año pasado vine al sur de Perú: Puno, Cuzco, Machu Pichu.

¿Se refleja este interés en tu música?
Sí, de todas maneras. Yo creo que lo tribal en Animal Collective se debe al hecho de que apreciamos mucho el tecno y la música primitiva: ambos tienen en común ritmos pegados que sugieren un trance. Luego, este aspecto tribal y primigenio lo mezclamos con sonidos electrónicos, lo que le da el toque futurista. Es una mezcla bien particular entre vanguardia, sicodelia y un sentimiento originario.

ANIMAL COLLECTIVE EN SANTIAGO

¿Dónde? Industria Cultural, Cueto 1740, esquina Balmaceda
¿Cuándo? Jueves 6 de noviembre, 21:00 hrs.
¿Cuánto? 12 mil pesos preventa (Ticketmaster), 16 mil el mismo día.

Fidocs 2008 para paula.cl

2008-12-18T21:49:00.001-03:00

Nov 06
Fidocs 2008, un festín de documentales
Cine

Por Rodolfo García.

La película El diario de Agustín de Ignacio Agüero inauguró la nueva versión del Festival Internacional de Documentales de Santiago, Fidocs. El filme trata la participación activa de El Mercurio en el aparato comunicacional del gobierno militar, encubriendo violaciones a los derechos humanos y manipulando con montajes la opinión pública, y pasa de nuevo este fin de semana. El certamen comenzó el lunes 3 de noviembre y se extiende hasta el domingo 9 en tres salas: la sala UC, la Cineteca Nacional y el Centro Arte Alameda.

El diario de Agustín

La muestra incluye este año documentales sobre autores chilenos, como Jorge Tellier y Manuel Rojas. Destaca Isabel Allende de Paula Rodríguez, que recorre la vida de esta periodista y escritora a través de registros que abarcan desde su niñez hasta la actualidad (incluido material familiar en Súper 8 ) y entrevistas. Desde su paso por revista Paula y su célebre columna Civilice a su troglodita hasta su consagración como la latinoamericana más leída en el mundo, la película ahonda en sucesos que marcaron su vida, como el golpe y la posterior represión en su debut La Casa de los Espíritus hasta el difícil trance de la muerte de su hija Paula de 28 años, en Madrid.

I love Pinochet

El Fidocs expone una selección llamada Escuela de Espectadores, con documentales de José Luis Torres Leiva, como Ningún lugar en ninguna parte; y Marcela Said, quien presenta I Love Pinochet. Además, en paralelo corre una selección latinoamericana, con cintas como Carne sobre carne: Intimidades de Isabel Sarli, que explora la vida de la clásica actriz del cine erótico argentino, de Diego Curubeto. La muestra internacional ofrece títulos como Rafah, crónicas de una villa en la Franja de Gaza, de Stéphane Marchetti y Alexis Monchovet, que retoma un año de grabaciones en la delicada zona limítrofe entre Egipto e Israel.

El juez y el general

El juez y el general forma parte de la sección Muestra Nacional, y reconstituye la relación entre Juan Guzmán y Augusto Pinochet. Designado para investigar una querella criminal en contra del militar, el magistrado descubre la verdad de crímenes atroces, a pesar de haber sido partidario de la caída de la Unidad Popular y haber legitimado la junta de gobierno. Los directores son Elizabeth Farnsworth y Patricio Lanfranco. En este mismo segmento, se encuentra Pedro Lemebel: Corazón en fuga, donde Verónica Quense realiza un retrato del narrador a través de textos leídos en Radio Tierra, sobre temas como los derechos humanos, el sexo, Pisagua y La Habana.

Entre ficción y no ficción los límites son difusos en la mirada de autor de los documentales. La perspectiva de los realizadores impregna sus trabajos, por lo que Fidocs es un buen acercamiento hacia verdades independientes que escapan a los intereses de los medios de comunicación, o a sus criterios comerciales.

QUÉ VER EN FIDOCS 2008:

Pedro Lemebel: Corazón en Fuga
Domingo 09 de noviembre | Centro Arte Alameda | 17:00 hrs.

Isabel Allende
Viernes 07 de noviembre | Cineteca Nacional | 19:00 hrs.

El diario de Agustín
Sábado 08 de noviembre | Centro Arte Alameda | 21:00 hrs.
Domingo 09 de noviembre | Cineteca Nacional | 16:00 hrs.

La revolución de los Pingüinos
Jueves 06 de noviembre | Centro Arte Alameda | 17:00 hrs.

Rafah, crónicas de una villa en la franja de Gaza
Viernes 07 de noviembre | Sala Cine UC | 17:30 hrs

Carne sobre Carne: Intimidades de Isabel Sarli
Sábado 08 de noviembre | Cineteca Nacional | 16:00 hrs

Cuba, el año 50
Sábado 08 de noviembre | Centro Arte Alameda | 17:00 hrs.

El Juez y el General
Sábado 08 de noviembre | Centro Arte Alameda | 19:00 hrs.

Vengo de un Avión que Cayó en las Montañas
Domingo 09 de noviembre | Sala Cine UC | 16:00 hrs.

El coraje de José Luis Torres Leiva (paula.cl)

2008-12-18T21:48:00.001-03:00

El coraje de José Luis Torres Leiva
Cine

Conversamos con el director de El cielo, la tierra y la lluvia, presente en Fidocs 2008 con Ningún lugar en ninguna parte, respecto a su vocación de cineasta y a la fuerza de voluntad con la que ha mantenido una carrera al margen de los circuitos comerciales.

Por Rodolfo García.

Con 33 años, José Luis Torres Leiva ha recibido elogios por su primer largometraje, El cielo, la tierra y la lluvia. Premiada en Rotterdam, Ficco y Corea, la cinta explora una estética visual contemplativa y llama la atención por sus planos largos y fotográficos. Exhibida a 3 copias en Chile, la película obtuvo un reconocimiento por la crítica y una afluencia modesta de público. ¿Decepcionado? “No pretendo hacerme millonario con esto, pero me importa hacer el cine que quiero desarrollar”, comenta el director.

Con tesón y fuerza de voluntad, este comunicador audiovisual de la Uniacc ha logrado consolidar una carrera respetable con empeño. “Trabajo haciendo ediciones de material independiente”, confiesa. Por ello, aún vive en la casa de sus padres y no se ha casado. Los premios y becas le han ayudado en su recorrido, como el del Fondo de Rotterdam o la Fundación Andes. “Con eso me compré mi primera cámara digital, y luego un computador para editar”, detalla. “Mi padre es jubilado del área de ventas; mi madre, dueña de casa. Por eso, me ayudaron en lo que han podido y se los agradezco mucho”, continúa José Luis.

De aspecto tímido y reservado, Torres Leiva es un interlocutor afable que comenta su alergia primaveral y no se molesta al indicarle una y otra vez la dirección de su departamento en Holanda con Pedro Lautaro Ferrer a un periodista que lo llama por celular. El director se presenta como tranquilo y malo para las fiestas. No estuvo en ninguna de las muchas que animaron la noche en el reciente festival de Valdivia donde estrenó en Chile El cielo, la tierra y la lluvia.

Ningún lugar en ninguna parte

Esa misma calma le hizo avanzar en el proyecto de la película, el que comenzó con un guión hace cinco años, y que fue evolucionando a medida que ganaba auspicios y productores en Europa. Al mismo tiempo, desarrolló sus documentales, como El tiempo que se queda, que ganó el Buenos Aires Festival de Cine Independiente (Bafici) el 2007. En Fidocs 2008, José Luis participa con Ningún lugar en ninguna parte, un retrato subjetivo del barrio La matriz de Valparaíso.

¿Cómo te nació la vocación del cine?
Mientras estaba en el colegio, descubrí que existía ‘otro cine’, y quedé encantado. A pesar de no venir de una familia de artistas, en mi casa me apoyaron y estudié audiovisual.

¿Pasabas todo el día viendo películas?
Veía, pero igual era un adolescente normal, con amigos y eso. Tampoco era tan extraño.

¿Qué cine te gusta?
Veo de todo. La verdad me gusta mucho el cine clásico, los westerns. No veo películas pegadas todo el rato, a pesar de que las mías puedan serlo.

¿Qué te parece el cine chileno?
Hay autores que me inspiran mucho, como Ignacio Agüero (El diario de Agustín) o Cristián Sánchez (Tiempos Malos). Creo que les interesa desarrollar una cierta estética que me parece interesante. Por otra parte, los cineastas nos conocemos y nos respetamos entre todos, a pesar de hacer cosas distintas. Hay un diálogo y eso es destacable. Me cuesta entender, eso sí, que todo el mundo esté más pendiente de cuántas entradas cortó su película, en vez de qué película está haciendo.

Alberto Fuguet, en las zapatillas de Andrés Caicedo (paula.cl)

2008-12-18T21:46:00.000-03:00

* agenda
* salud y belleza
* moda
* cocina
* tejidos
* deco ideas
* radio paula

Dic 04
Fuguet: En las zapatillas de Andrés Caicedo
Libros

Por Rodolfo García.

atravesado-2.jpgAndrés Caicedo vivió una corta pero vertiginosa carrera como crítico, escritor y dramaturgo. Nacido en Cali, Colombia, se suicidó a los 25 años en marzo de 1977, luego de recibir por correo el primer ejemplar de su libro Qué viva la música, hoy obra de culto, e ingerir 60 pastillas. Mi cuerpo es una celda es su autobiografía póstuma, dirigida y editada por Alberto Fuguet a partir de diarios de vida, notas y correspondencia epistolar.

El escritor chileno comparte el gusto y la sensibilidad de Caicedo frente al cine, y quedó impresionado cuando años atrás descubrió Ojo al cine, sus escritos cinéfilos. Desde un viaje por Sudamérica que incluye lanzar Mi cuerpo es una celda en Colombia y asistir a la Feria del Libro de Guadalajara en México, Fuguet contesta por e-mail entre aviones, entrevistas y hoteles.

¿Cómo sitúas a Andrés Caicedo dentro de la crítica latinoamericana?
Uno de los mejores, uno de los adelantados. Si bien creo que Héctor Soto es el mejor crítico de cine latinoamericano del siglo XX (que seguirá siendo notable durante el XXI, pero su ADN es claramente Siglo XX), creo que Caicedo es el líder de un movimiento crítico (de cine, de libros, de tele, de rock) donde lo que importa no es tanto lo que se sabe o lo que informa, sino lo que se siente. A Caicedo quizás no le dejarían escribir en Mabuse. Caicedo parece más un colaborador de El Amante, la revista argentina de cine.

¿Por qué?
Caicedo cometió un error para el siglo XX: Caicedo debía hacer suyas las películas. Escribía mejor cuando una cinta le gustaba. Sentía que existía una guerra fría entre buenos y malos. Esparcía el evangelio, su evangelio (como tratar que todos vieran Lillith de Robert Rossen cuando nadie la vio). Caicedo proyectaba su vida y lo que vivía a la película. Usó la crítica para hablar de sí mismo y del mundo, no entendía la crítica para dar clases o enviarle recados al director o para pasar de intelectual. Era un crítico lúcido, con una prosa impresionante, un estilo notable y era capaz lo que otros no veían.

¿Qué te llamó la atención de su sensibilidad?
A cada rato uno se topa con escritores que son brillantes, inteligentes, pero no tengo claro si son sensibles. Caicedo era quizás demasiado sensible y, respecto a su sensibilidad, ese punto de vista particular con que veía el mundo, no sólo me llamó la atención sino, por cierto, simpaticé. Sentí que encontré un amigo, un hermano mayor. Creo que es, sin duda, el eslabón perdido de McOndo. Su padre o su hermano mayor.

¿En qué sentido?
Me gusta que sea urbano, que no tomó en cuenta el realismos mágico de Gabo, que no entendía la vida sin el cine, que consideraba que la cultura pop era cultura, que a pesar de ser rockero y obsesionado con la cultura yanqui, tenía distancia y era capaz de apreciar lo mejor del resto del mundo, que creía en la salsa, que devoraba a Vargas Llosa y Alan Poe, que era un perdido, que no tenía claro y a la vez la tenía clara, porque si no escribía moría, porque detrás de su look Morrison era un nerd tímido y tartamudo.

Voces múltiples

¿Por qué escogiste la primera persona, lo subjetivo, como tono?
Surgió solo. Me di cuenta que no me interesaba hacer una novela histórica ni menos una biografía. Y al captar que tenía sus palabras, la idea de intentar escribir como él me pareció una falta de respeto. Además, tampoco sabía todo lo que había vivido o sentido. Al empezar a leer este material capté que él tenía un libro que no estaba armando u estructurado, pero que sí estaba escrito, que es lo que importa.

¿Cómo es eso?
Leyendo y, a medida que me encontraba con sus cartas, entendí que la posibilidad de ingresar a su mente, como Cusack ingresa a la Malkovich, era alucinante. Y aterrador. Y triste. La idea de poder ingresar a una mente torturada me fascinó. El tono es de él, conmigo como un editor duro que no lo dejaba repetir, irse por las ramas, etcétera. En breve: por qué no usar a Caicedo si tenía a Caicedo. Para que ir a escuchar a un grupo de imitadores si tienes al verdadero.

¿Cómo sientes que opera lo fugaz en Andrés Caicedo?
Fugaz fue su vida y corría y escribía corriendo y no tenía tiempo pues sentía que se le iba y lo hacía todo a la rápida, con intensidad. Quizás era volátil pero no se evaporó, ni siquiera su alma. Su cuerpo fue quizás su celda pero sus palabras lo liberaron y voló. Ahora está vivo, volando, conquistando hermanos y primos en todas partes de América Latina y, no se cabe duda, pronto en otros idiomas. Caicedo, como todos, era varias personas en una.

¿Varias personas en una?
A veces su lado B y C se integraban y lo hacían el tipo brillante que era. Recordemos que murió a los 25 y dejó una gran obra. ¿Cuánta gente conoces de 25 que tiene obra? Yo estaría muy incómodo si mi propia “carrera”, hubiera terminado con Sobredosis. La verdad es que me daría entre asco y vergüenza. Mal. Ahora Caicedo era un ser débil, bipolar quizás, fracturado y, sobre todo, escindido. A veces no podía integrar su lado B y con su A y ahí empezaron los problemas. Problemas que lo llevaron al final que todos sabemos: muerto a los 25 y, lo que es peor, más triste, seducido y adicto a la muerte desde por lo menos los 22.

Con Thom Yorke en los brazos (Paula.cl)

2008-12-18T21:45:00.001-03:00

Nov 20
Con Thom Yorke en los brazos
Time for FAN

radiohead2.jpg

Por Rodolfo García.

Catorce años atrás, era un adolescente que se escapaba a escuchar cuanto grupo indie existía. Era una época en que todo se hacía a través de cassettes grabados. Entonces, un skater, Philippe Dussert, me pasó una cinta que me voló la cabeza: Pablo Honey, el disco debut de Radiohead.

En la enseñanza media tenía un grupo con unos compañeros y hacíamos covers de The Doors y Pearl Jam, y la lírica incendiaria y sensual de Jim Morrisson nos apasionaba como a los chicos de La sociedad de los poetas muertos. En el germen de toda esa revolución adolescente, You, el primer tema de Pablo Honey, me hacía un sentido total: “Tú, y yo, y todo, hundiéndose en el fuego”.

Esa idea de de intensidad, largada con tal pasión y desgarro, se transformó en mi leitmotiv. Mi propio mundo se consumía en llamas, pues estaba ad portas de empezar una nueva vida en Europa, y dejar todo atrás, amigos, casa, barrio, colegio, polola. Y encontré a estos forajidos de Oxford.

El cassette no salió más de mi walkman. Me acompañó en los hoteles en que viví en esos meses y en los traslados en avión desde Santiago a París y luego Ginebra. La revuelta emocional de Radiohead me daba fuerzas, me identificaba. Por ello, al ver el letrero que anunciaba que Radiohead tocaba en la universidad de Lausanne, que quedaba a quince minutos de mi casa, quedé pasmado.

El día del concierto, tomé el metro hacia la universidad y me sentí como la niña del video de No Rain de Blind Melon, ésa que se viste de abeja y baila tap, pero nadie la toma en cuenta, hasta que llega a un valle de puros niños abeja. Yo era uno de ellos. Encontré a mis semejantes en ese show: chicos con poleras de Ride y grupos británicos de noise pop que en silencio escuchaba en Santiago.

Quedé en tercera fila. Salieron los músicos, y Thom Yorke empezó los acordes incendiarios de You. En el público prendimos y comenzamos a saltar. Yo estaba en el cielo. Las canciones pasaron y disfruté cada acorde, cada nota aprendida durante meses en una repetición infinita en la casetera.

El espectáculo era fuego puro. Ya había visto a Sting y a Paul McCartney en Chile, pero esto era otra cosa, esto era rock en estado puro. Era un tipo bajo, flaco y medio colorín sacando sus tripas sobre las tablas, acompañado de cuatro músicos que creaban una bulla increíble. Era desafiante. Era punk. Era un grupo de indie rock, con un Thom Yorke con chaqueta de cuero, a años luz de las poses afeminadas de los artistas de glam metal que apasionaban a mi generación.

Yorke tenía actitud y se ponía rojo de tanto cantar. No estaba fingiendo. No le estaba horneando las hormonas a ninguna modelo, se estaba desangrando allá arriba. Y eso me impresionó. Más aún, cuando vi que se lanzaba un piquero, para darse un paseo sostenido por los brazos del público. Así que me encontré de pronto con él ahí arriba, nadando sobre nuestras cabezas, y lo sostuve unos segundos antes de que siguiera su camino. Esa honestidad, ese contacto, me marcó a fuego. Fue mi primer recital de verdad. Radiohead fue mi mejor introducción al indie rock. Hoy llevo unas cuatrocientas reseñas de discos escritas y una cincuentena de entrevistas dedicadas a esta ‘otra música’ que conocí de verdad en vivo, de la mano de Thom Yorke.

Adanowsky en Chile en paula.cl

2008-12-18T21:42:00.003-03:00

Dic 10
Adanowsky en Chile
Música

Adán Jodorowsky toca hoy en Concepción y el viernes en Santiago junto a su banda The Gush. Desde Buenos Aires, este músico, actor y bailarín de tango describe su fin de año soñado, cuál sería su regalo ideal y la peor navidad de su vida.

Por Rodolfo García.

adan.jpgAdán Jodorowsky contesta el teléfono desde su hotel en Buenos Aires. Viene llegando de España para tocar en Argentina, Chile y México. ¿En el último año? En el último mes. La actividad para el hijo músico del escritor, cineasta y tarotista radicado en París, Alejandro Jodorowsky, ha sido incesante desde que publicó su debut Étoile éternelle, hace un año y medio. En esta ocasión, Adán viene junto a su banda The Gush a lanzar la versión en español del álbum, El ídolo, distribuido desde esta semana en el Cono Sur.

“Es la última gira con estas canciones”, cuenta Adanowsky. “Las perfeccioné para la ocasión: del concepto que tenía de rockstar pasé realmente al de ídolo. Es una trilogía. Habla de todas las etapas y estados anímicos del ídolo. Él está mal, luego sufre porque sabe que es una estrella y nadie lo ve. Después quiere acostarse con su madre, odia a la sociedad y al final se muere. Y se da cuenta de que todo lo que estaba buscando estaba ya dentro de él, y él es el universo. Así termina”, explica el cantante.

Entusiasmado con el lanzamiento del disco, Adán comenta los detalles de los recitales que ofrecerá esta vez: “Voy a llegar con The Gush y un show perfeccionado, hay cuatro canciones más. Llevo también un showman que viene conmigo. Él baila, se disfraza, da clases de baile, pone música antes y después del concierto. Es un entertainer, como el que presenta los shows de James Brown. Como es la última vez que vamos a tocar estas canciones, queríamos algo especial”.

En cuanto a nuevos proyectos, Adanowsky prepara un nuevo disco, que grabará en enero en Los Angeles, Estados Unidos, y será el actor principal de la nueva película de su padre. “Es la primera que hace desde 1991, creo. Como mis hermanos ya habían actuado para él, me dijo: ‘Quiero que la hagas tú. ¿Estás seguro?’ Seguro, le contesté’”. La cinta se grabará en abril próximo y es su regreso al cine tras actuar en Two days in Paris de Julie Delpy.

FELIZ NAVIDAD, OVNI

Como buen heredero surrealista, Adanowsky posee un humor particular a la hora de enfrentar el fin de año. A continuación le preguntamos sobre sus gustos y preferencias para terminar el año como es debido.

¿Qué discos te gustaría que te regalaran para la pascua?
Lo que pasa es que ya los tengo todos (se ríe). Tengo unos 10 mil discos. Que me regalen toda la discografía de AC/DC. Aunque, ahora que lo pienso, quiero todos los discos de Ray Charles.

¿Cuál fue tu peor experiencia navideña?
Fue una vez que olvidé hacerle un regalo a mi madre. Tenía doce años. Simplemente se me borró, le hice regalos a todos y de repente mi madre me dice, ¿y tú? Me olvidé, ¡qué horror!.

¿Cuál es tu año nuevo soñado?
La verdad, no es que quiera parecer original, pero mi año nuevo perfecto sería con extraterrestres. De verdad, me gustaría festejar de esa manera, todos felices comiendo y bebiendo, descubriendo comida de otros planetas y hacerles probar la de aquí de la Tierra, y subirme a una nave espacial.

¿Dónde pasarás la Navidad?
La voy a pasar en México DF. Mi madre vive allá, y esta vez sí le llevaré un regalo. Me voy de Santiago para allá, voy a tocar en el Luniarum, una sala en el auditorio nacional, un muy buen lugar. Luego voy a preparar el próximo disco.

¿Fiestas en familia, entonces?
Sí, pero no me gusta mucho la Navidad. No sé, no me siento bien, a mi familia la veo todo el año. Además, es bonito tener una cena y hacer regalos, pero me da lata.

¿Qué regalo te gustaría hacer?
Un pedazo de salchichón. Que se lo coman para que vean lo que es sufrir de verdad y que este planeta está mal. Un salchichón podrido.

¿Cuál es el regalo más divertido que te han hecho?
Mi hermano me regaló un libro de mi padre. Fue un chiste porque ya los tenemos todos, es como regalar algo que vas a buscar a la bodega, lo envuelves y lo ofreces. No era un regalo, era gratis. Y me dijo: “Feliz Navidad”.

Adanowsky en Chile
Miércoles 10, 21:00 horas, Aníbal Pinto 343, Concepción.
Jueves 11, Librería Qué leo. Firma de autógrafos. Vitacura 3817, Santiago.
Viernes 12, Kubix, 23:30 horas, Domínica 594.

inedit 2008 en paula.cl

2008-12-18T21:42:00.001-03:00

Qué ver en In-Edit 2008
Cine

Por Rodolfo García.

El Festival de Documentales de Música, In - Edit, vuelve en su quinta versión con cerca de cincuenta títulos para estrenar. La muestra, que comienza hoy y se extiende hasta el 21, propone varias novedades este año, como la exhibición de trabajos en proceso denominada In vitro, con documentales en gestación como Supersordo, historia y geografía de un ruido, y otra de archivos nacionales dirigida por el equipo de la enciclopedia virtual www.musicapopular.cl, con una entrevista a Violeta Parra. A continuación, una selección con lo mejor de esta muestra.

Mujeres en la música

Violeta Parra: este documental es de las pocas imágenes en movimiento que se guardan de la legendaria cantautora chilena. Se trata de una entrevista con Parra en su taller artístico en Ginebra, en 1964, en una producción para la Télévision Suisse Romande. Este documento de archivo es presentado por www.musicapopular.cl.

Patti Smith: Dream of life. Patti Smith es la inspiradora de gran parte de la revuelta punk neoyorquina. Este documental explora en profundidad su vida, indagando en sus rasgos y sensibilidades personales, así como su particular ética, donde la revuelta pasa por el despojo, la creatividad y la fuerza expresiva.

Nina Simone: Love sorceress…forever. La diva es grabada en el festival de Jazz de Montreux, Suiza, en 1976. En éste, uno de los mejores escenarios del mundo (por donde han pasado desde Miles Davis hasta Bjork y Jimmy Hendrix), la cantante da muestras de su manejo sensual y desgarrado, con aroma a tabaco y alcohol aguardentoso, tan característico de esta heredera de valores como Ella Fitzgerald.

Clásicos

Joy Division: la visión de la amante y de los compañeros de grupo de uno de los genios torturados del último tiempo, Ian Curtis, y su trágico suicidio. Joy Division funda con sus melodías melancólicas el post punk británico.

NY 77 The coolest year in hell: las vivencias del año en que el punk reventó en Nueva York, devolviéndole la vida a una ciudad en la que emergen al mismo tiempo el hip hop y la música disco.

Pink Floyd: A technicolor dream. Es el ‘swinging London’, el Londres cool y sicodélico de los años sesenta (el mismo que explora el clásico Blow Up de Michelangelo Antonioni), y Pink Floyd participa del happening experimental ‘14th hour technicolor dream’.

Lujo

Low: You may need a murderer. Low es una de las bandas más importantes del indie rock, precursores de joyas como Múm y Sigur Ros. Además, son un matrimonio mormón con una historia compleja donde él sufre una crisis de nervios y ella lo apoya, aún a sabiendas de su adicción. Una historia íntima, profunda y personal de una familia con hijos que además es una de las mejores parejas creativas del rock actual.

Chile

Las niñas: Sofía Oportot y Antonia Santa María exploran los límites de la sensibilidad femenina, remitiéndose siempre a lo sugerido y al subtexto, con afectos ambiguos y totalizadores. Es el debut del director Rodrigo Marín.

Supersordo: Historia y geografía de un ruido. Este documental expone la historia y música de uno de los más atrevidos grupos de rock chileno. Supersordo supo combinar el punk y la experimentación, transformándose en una referencia para las futuras generaciones.

Trance: En este nuevo documental, el director José Luis Torres Leiva explora la compleja relación entre imagen, música y oyente, con una aproximación intimista.

In-Edit 2008, 12 al 21 de diciembre, Santiago
Programa: descárgalo en www.inedit.cl/images/volanteretiro.pdf
Salas: Centro Mori Bellavista (Constitución 183), Centro Arte Alameda (Alameda 139), Lastarria 90 (José Victorino Lastarria 90) y El Biógrafo (José Victorino Lastarria 181).
Precios: $2.500 muestra internacional, $1.500 muestra nacional, $4.000 abono, $14.00o abono para todo el festival.

Reactable en paula.cl

2008-12-18T21:41:00.002-03:00

Dic 17
Carles López: jugar con la música
Música

La Reactable es un instrumento electrónico vanguardista y colaborativo: una mesa redonda sobre la que se manipulan cubos y discos. Björk fue la primera en adquirir uno y Carles López viene desde Barcelona a presentarlo hoy a la Industria Cultural.

Por Rodolfo García.

En una sala de la Industria Cultural yace una mesa redonda sobre la que un grupo de jóvenes deposita cubos y discos con diseños llamativos. La superficie es una pantalla iluminada y táctil, y en ella aparecen luces y colores, que comunican los objetos entre sí. Éstos forman distintos sonidos y ritmos que se alternan entre momentos armónicos y una ruidosa cacofonía.

reactable2.jpg

Parece una escena de ciencia ficción, un juguete de Star Wars, pero en realidad es la Reactable: un vanguardista instrumento electrónico diseñado por el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra, en Barcelona. Carles López sale de la sala rápidamente. ‘Es un instrumento cautivante, aunque cuando recién lo pruebas puede ser muy ruidoso’, se ríe. López es el músico que los creadores de esta máquina eligieron para exhibir uno de los cinco prototipos existentes a través del mundo.

Carles lleva un año y medio de gira, en los que ha sido casi exclusivamente el único intérprete en tocar con el Reactable. Casi, porque el curioso director Michel Gondry (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) le comentó a su amiga Björk la maravilla que había descubierto gracias a Youtube, y la islandesa cayó rendida. Concertó cita en París con los creadores del lúdico invento, y, unos cuantos miles de euros de por medio, lo compró de inmediato y lo ha exhibido como su chiche en su más reciente gira presentando su disco Volta, la misma que la trajo a Chile hace poco. Peter Gabriel es otro posible interesado que ya está en conversaciones con la firma.

Björk usando el reactable en Coachella 2007

La Reactable será exhibida hoy en un concierto exclusivo en la Industria Cultural, donde Carles López hará música con ella. Este compositor es además disc jockey en la agitada noche barcelonesa y ha hecho piezas para obras de teatro y danza. En este año, Reactable ha recibido numerosos premios de tecnología, incluido el importante Ars Electronica.

Demo Reactable

¿Tocarás canciones o improvisación?
Es una improvisación sobre bases y muestras que ya conozco, básicamente. Eso, ya que es un instrumento difícil de calibrar: la distancia entre piezas es un valor y es complicado ponerlas exactamente siempre en el mismo sitio. Sé por dónde ir, eso sí. Como visualmente es muy atractivo, habrá una cámara cenital (en el techo) que mostrará todo lo que pase sobre la mesa. Es una gran diferencia con la electrónica convencional, donde no sabes si el músico está tocando, chateando o revisando su e-mail.

¿Consideras el Reactable como un juguete?
En realidad es un sintetizador que manipulas poniendo y moviendo objetos encima. Mira, en realidad, lo que me pasa con la música electrónica en general, incluyendo softwares como Reason y Reaktor, es que la curva de aprendizaje es al revés de la de un instrumento convencional. Un violín, por ejemplo, al principio parece muy difícil de tocar, y luego se te hace cada vez más fácil. La electrónica, en cambio, parece muy simple en un inicio, y luego se pone cada vez más compleja.

¿Cómo se gestó este proyecto?
Esto partió hace cinco años en el Music Technology Group (Grupo de Tecnología Musical) de la Universidad Pompeu fabra de Barcelona, donde yo trabajo. Es un centro de investigación donde se trabaja es interacción entre el computador y las personas con la música. La idea surgió de hacer un instrumento que fuera colaborativo, de más de una persona, intuitivo y que no tuviese la curva de aprendizaje de una viola. O sea, que no hubiese sufrimiento para empezar a disfrutarlo, que puedas gozar con él desde un principio y que a la vez tuviera una complejidad que a un músico profesional le resulte lo suficientemente atractiva como para seguir usándolo. Que no sea un objeto con el que te entretienes el primer día y ya.

¿Porqué una mesa redonda?
Para que todo el mundo tenga acceso a ella y pueda colaborar. Si te fijas, un rectángulo sería más fácil, es el modelo que usan todas las pantallas.

¿Cómo es que esta tecnología surgió en España y no en Japón?
El Music Technolgy Group aquí es bastante desconocido, pero es de los que llevan la vanguardia en el mundo. Estamos al nivel de desarrollo del MIT (Massachusetts Institute of Technology). Nos inspiramos mucho en los sintetizadores antiguos modulares, de esos donde se enchufaban cables y se manipulaban perillas, la diferencia es que aquí cada control está asignado a los objetos que mueves sobre la mesa para crear ritmos y frecuencias de ondas. La idea nació, además, de crear una tecnología que fuera mucho más amigable que un mouse y un teclado, que fuese a una escala más humana.

¿Se inserta esto en las nuevas tecnologías táctiles (I Pod Touch)?
¿Te refieres a Jeff Hahn y su teoría del muro? La tecnología multitouch lleva varios años ya, y lo que te diré sonará a una barbaridad, pero creo que ya es algo arcaico. La gente cuando ve el Reactable me dice ‘esto es el futuro’, pero no, para mí, esto es el presente.

¿Qué artistas te inspiran?
¿Has escuchado el último de Matmos, Supreme Balloon? Está muy bueno, ellos han sido productores de Björk en discos anteriores, y lo que más me gusta es que ellos de verdad juegan con la música, a pesar de ser unos compositores muy sesudos, se divierten mucho.

En la sala de la Industria Cultural, tras los primeros intentos caóticos, los jóvenes que prueban el Reactable se han puesto de acuerdo en poner los objetos de a uno y ver qué pasa. Es entonces cuando comienza a surgir una música mucho más bella y evocadora. De una manera más ordenada, han logrado superar la anarquía inicial de los sonidos para iniciar una comunicación real y colaborativa.

Carles López: Reactable en Chile (+ Namm y Letu)
Miércoles 17 de diciembre|19:30 hrs| Industria cultural (Cueto 1470/Esq Balmaceda)
Entrada $5000
www.plataformavector.cl

hugo mujica en paula.cl

2008-12-18T21:41:00.001-03:00

Hugo Mujica: La desnudez de la palabra
Entrevistas

Hugo Mujica es uno de los poetas argentinos del momento. Su estilo depurado y profundo posee una capacidad contemplativa sorprendente y simple. Descúbrelo, aquí.

Por Rodolfo García.

Hugo Mujica partió a Nueva York a los 19 años como pintor. En el Greenwich Village, el taquillero centro de la vanguardia pop y experimental del arte de la época, el argentino se integró al movimiento y vivió su época de gloria. Probó drogas como el LSD, nuevos métodos expresivos y se vinculó al mundo espiritual del poeta beatnick Allen Ginsberg, una suerte de profeta importado desde Inglaterra donde lo había llevado William Burroughs, el autor del célebre ‘Almuerzo desnudo’.

Tras vivir un período intenso de revolución artística y cultural, Mujica se recluyó durante siete años en un monasterio trapense hasta que un día, sin más, mirando por la ventana, sintió una epifanía y le nació la palabra. Hoy, sus poemas completos acaban de ser editados en Estados Unidos, en Argentina ya van este año en su cuarta edición, y se ha convertido en uno de los autores más respetados del otro lado de la cordillera.

Para este poeta, lo esencial es la presencia. La gratuidad de lo que existe, de los seres queridos, del afecto, de la reflexión, del instante. La maravillosa manifestación de la vida. Tanto así, que tras haber sido durante dos años profesor de filosofía en la Universidad de Buenos Aires, nunca dejó a sus alumnos tomar notas o dar examen. Lo importante para él era simplemente “estar ahí” y vivir el momento de la clase. “La verdad va más allá del dato, a mí me interesa que la verdad acontezca. La memoria la podemos delegar”.

Cansado con la inflexibilidad del sistema educativo, Mujica se retiró para dar clases privadas durante cinco años. Con cursos que ascendían a los 100 alumnos. Este 2008, Hugo ha venido cuatro veces a Chile (Valparaíso, Santiago y La Serena), la última invitado a una serie de entrevistas en la Universidad del Desarrollo dirigidas por Cristián Warnken, quien dirige ahí la Escuela Abierta de Literatura. Dueño de un estilo que se acerca a la depuración extrema del haiku japonés, Hugo Mujica busca desentrañar la desnudez de la palabra, y desde ahí hacer emerger todo su poder y belleza.

¿Cómo fue tu vida en el Nueva York de los sesenta?
Bueno, tuve experiencias con drogas, con el hippismo y algo muy fuerte con la política. Se recuerda lo anecdótico, pero se olvida que en una década mataron a Malcom X, a Martin Luther King, a Bob y John Kennedy, estaba la guerra en Vietnam y la lucha por los derechos de los negros. Fue una época muy movida.

¿Eso se reflejaba en las calles?
Sí. En ese tiempo entendíamos lo social desde la calle, todavía no existía eso de resolver los problemas por internet. Se salía, te pegaban o pegabas, luchabas con tu cuerpo.

¿Te vinculaste al movimiento artístico?
Sí, estuve bastante metido con los pintores, y yo en esa época no escribía, pero con Allen Ginsberg compartíamos un gurú hinduista, el mismo que William Burroughs había llevado a Londres y que Ginsberg había traído a NYC. En realidad, nos vinculábamos todos porque vivíamos en el mismo barrio, que era el barrio de los pobres, más allá de la mitología. Es como Montmartre, que era el lugar barato de país, donde se juntan los artistas, que han elegido la pobreza para poder desarrollar su propia forma de vida.

¿Cómo llegaste al monasterio?
Fue en una gira con el gurú, hicimos escala en ese monasterio trapense y tuve contacto con ese mundo. Yo nunca había desarrollado mi espiritualidad ya que venía de una familia anarco-sindicalista. Y ahí se fue dando, ya que a finales de los sesenta morías de una sobredosis, volvías al sistema o estaba toda esta vía mística que tenía mucho que ver con el misticismo de las drogas, que es lo que a mí me hizo sentido. Fue luego de estar ahí, con voto de silencio, que empecé a escribir.

¿Cómo encontraste la palabra?
No sé si la encontré o si ella me encontró a mí. La verdad es que estaba mirando por la ventana mientras cocinaba, y me puse a escribir lo que veía. Sentí que había encontrado un lugar de expresión.

¿Te acercas a una simpleza oriental cuando escribes?
No, porque es un mito que tenemos de Oriente, que todo es como en los monasterios. Pero no es así, como nosotros tampoco somos todos rubios, ricos y felices, que es como nos ven ellos. Monasterios, por lo demás, hay en todas partes. Mira, a mí lo que me interesa es la simpleza, y lo simple es, por la mañana, captar qué somos cuando estamos desnudos, y eso es igual en cualquier lado. Voy en la cuarta edición en Buenos Aires de mis Poemas Completos, y me preguntó porqué está pegando tanto, si todos dicen que poesía no se lee. Tal vez sea porque yo busco mantener la poesía cuando todavía está totalmente desnuda, después cuando nos vestimos, aparece oriente y occidente, ricos y pobres. Cuando hablamos de oriente, hablamos de Li Po y del siglo XI, no del Tokio de ahora que parece Wall Street, es un mito ingenuo el nuestro (se ríe).

Descubre la poesía de Hugo Mujica en www.hugomujica.com.ar.

2008-12-18T21:39:00.000-03:00

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Dic 18
José Luis Sepúlveda: El abismo de lo marginal
Cine

El Pejesapo es una película perturbadora acerca de un ser marginal que se pierde entre una tentativa de suicidio, su adicción a la pasta base, la cesantía, una esposa con parálisis facial, una hija y un amante travesti. Una mirada oscura al lumpen chileno.

Por Rodolfo García.

El Pejesapo, el primer largometraje de José Luis Sepúlveda, es un asunto desorientador y molesto. La eterna angustia y confusión del personaje de Daniel, interpretado por el ex presidiario Héctor Silva (que aprendió teatro en la cárcel de Colina), incomodan con malas vibraciones al espectador. Esta cinta chilena ha sido exhibida en festivales como Cannes y Locarno, y se vincula a un cine social y naturalista que rechaza los parámetros de la industria “burguesa”, según el director.

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Sepúlveda tiene experiencia en la contracultura. Este egresado de cine de la Universidad Arcis ha sido camarógrafo de la documentalista Elena Varela, detenida en una violación absoluta a la libertad de prensa por grabar el conflicto mapuche. Además, el cineasta de 37 años ha dirigido documentales sobre cárceles y cortometrajes, y está vinculado al Feciso, el Festival de Cine Social que se realiza desde 2006 en La Pintana.

Trailer El Pejesapo

El Pejesapo, su cinta debut, muestra el mundo perdido de la región metropolitana, las vicisitudes y dolores de estómago cotidianos del hampa capitalino. Daniel es un suicida dejado por el río Maipo frente a Buin, desde donde decide volver a la ciudad. Ahí buscará trabajo sin éxito, se vinculará sexualmente con el travesti Barbarella (con una cámara explícita), hará llorar a su mujer, que tiene parálisis facial, y acosará a su joven hija para que le muestre las tareas, al tiempo que se extravía entre el crack (pasta base) y el alcohol.

¿Cómo surgió este proyecto?
Me interesa mucho la dirección actoral y quería hacerlo. He hecho varios cortos, todos con una visión de autocrítica social y con una estética de lo cercano, como la calle. Me interesa que no sea algo así tan victimizante, de decir ‘Oh, pobre gente’, si no darte cuenta de que muchas veces es culpa de ellos mismos. A veces son ellos quienes dejan que los aplasten.

¿Cuál es tu descripción del infierno, como rutina aplastante y sin perspectivas?
Es curioso, porque a pesar de que lo dice una mujer que trabaja en una planta en las afueras de Santiago, grafica perfectamente lo que puede ocurrir aquí en el centro. ¿No te parece? Es extraño, porque donde eso ocurre, ese lugar en ninguna parte, es aquí en Santiago, donde termina avenida Santa Rosa, y hay mucha gente que se desplaza de allá para la ciudad y se quedan aquí un tiempo.

¿Cómo fue la realización, como el tomar diálogos acerca de comer perro y gato?
Es que son conversaciones súper cotidianas por allá. Quisimos trabajar lo más naturalmente con los actores, con Héctor Silva lo conversamos mucho, y a veces no es necesario que el actor se separe tanto de lo que es para convencer, a veces hace falta sólo un milímetro de distancia consigo mismo para que todo resulte. Mientras más cercano sea el diálogo, tiene una metáfora que abarca mucho más.

¿Hay un naturalismo ahí?
Es que queríamos que fuera real. En las películas chilenas que habíamos visto, siempre todo estaba caricaturizado, como que siempre es el ‘guashita llica, el flaite y la weá’, y siento que eso va en desmedro de nosotros. Es como mirar a la gente de mala manera.

¿De arriba hacia abajo?
Claro, y la gente no es tonta. Todavía me convenzo de que no.

La cámara se acerca mucho al documental…
Sí, es que igual el documental te da esa sensación de realismo. Quizás, el documental en Chile ha tocado temas mucho más interesantes y profundos que las películas de ficción. Las películas son puro mercadeo, donde la cinta puede ser buena, pero pones a un actor de moda y todo se transforma en una prostitución. Imagínate que este año hubo 28 estrenos. La ministra de cultura lo celebra. Pero filo, puede haber 20 mil, aunque eso no te dice nada de la calidad. En Chile no tenemos una cultura seria. No hay centro de investigación en la parte actoral o de fotografía. ¿Quieren industria? Ok, pero necesitamos recursos para experimentar y desarrollarnos de manera seria y estética, como pueden ser estos centros, que existen en otros países como Cuba. Sino, es tan sólo una industria de empresarios, o de traficantes.

Low en super45

2008-12-18T21:33:00.003-03:00

Blog

In-Edit miércoles 17/12: Low

Por Rodolfo García | 17 December, 2008 | 87 visitas

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Durante esta semana, el staff de Super 45 recomienda los mejores documentales que puedes ver en la quinta versión del Festival In-Edit.

“En un mundo ideal, Low sería la banda favorita de todos nuestros amigos”.
Stuart Braithwaite, Mogwai

El matrimonio de Mimi Parker y Alain Sparhawk es quizás uno de los más influyentes en materia creativa en la música indie del hemisferio norte (si Mùm y Sigur Rós están haciendo lo que hacen no es casualidad). Bajo el nombre de Low, y desde la publicación de ese hermoso y conmovedor debut en 1994 (I Could Live in Hope), ellos han demostrado que el cielo puede ser una batería sin bombo, una guitarra despojada, un bajo profundo y ambiental y un dúo de voces masculino y femenino. Provenientes de Duluth, Minnesota, la ciudad natal de Bob Dylan, la Siberia americana, donde hacen 30 grados bajo cero en invierno, y las partículas apenas se atreven a moverse, Low ha desarrollado un estilo propio y reconocible (por favor obviar etiquetas como slowcore, ¿qué es eso?) que marcó un antes y un después en la manera de enfrentarse a la música rock.

Supongamos que las canciones son una pareja. Bueno, Low, en vez de insertarse en la moda actual y tan latina del perreo, de lo groseramente obvio (como puede serlo el rock mainstream y “aconsejado” por consultores de marketing), prefieren el cortejo, la sutileza, el subtexto, el rubor, la espera (sí, la olvidada y tan valiosa espera), lo que se calla, lo que se intuye, lo que se muestra de a poco. Low posee tanta elegancia en su música que, desgraciadamente, es incomprendida para el común de los mortales.

Supongamos que el 90 por ciento del planeta prefiera la última coneja Playboy a, digamos, Irene Jacob o Fairuza Balk. Lo mismo pasa con Low. No sólo plagiados hasta el hartazgo, sino también ignorados (excepto por una cierta elite indie y crítica que siempre los ha apoyado) y ninguneados por el gran público, sus integrantes han sufrido los embistes de la frustración de ser buenos, sorprendentemente buenos, y no llegar adónde querían. Alain Sparhawk, en particular, quien cayó en una depresión severa y en una crisis de nervios hace un par de años, episodio con el que parte You may need a murderer.

Este documental refleja la parte humana e íntima del matrimonio Sparhawk-Parker, su vida de familia, sus hijos, su fe mormona, la trágica y reconocida adicción de Alain a la droga, y como Mimi lo apoya y lo sostiene, tal como su voz baja y gruesa sostiene a la voz delgada y aguda de su marido en sus canciones. La fragilidad y la agudeza de ambos se hacen palpables, así como su pasión y determinación a la hora de tocar.

Hay partes que muestran canciones del nuevo álbum, Drums and Guns, tal vez uno de los mejores y más radicales que Low haya hecho, desde un punto de vista de su total nihilismo y de sus constantes ataques políticos. Al ver a Sparhawk cantar la canción que abre el disco, la verdad es que, uno, dan escalofríos, y, dos, se nota que el vocalista es ‘de verdad’, que no está posando, sino sacando sus tripas afuera mientras interpreta. Es realmente sobrecogedor.

Por ello, You may need a murderer se acerca a esas verdades tan íntimas que llegan a ser gigantes, como sucede, también, con las pequeñas grandes historias de Tarnation. Reflejar la realidad de estos seres en lo descarnada y compleja que puede llegar a ser, y al mismo tiempo, bella. Es una experiencia fuerte, que sacude y nos confronta con una hondura que va mucho más allá de “la banda que hace canciones bonitas”.

Low: You may need a murderer se exhibe hoy miércoles 17 de diciembre a las 21:00 en el Centro Mori Bellavista.

I Started A Joke

Discos

2008-10-24T22:16:00.001-03:00

Discos

Sonic Youth - Washing machine (Geffen)

Por Rodolfo García | 15 October, 2008 | 746 visitas

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Publicado en 1995

Washing machine representa una nueva era para Sonic Youth. Luego de una época de gloria con la trilogía compuesta porEVOL (1986), Sister (1987) y Daydream nation (1988), la banda cierra su contrato con la icónica disquera punk SST (Black Flag, Minutemen, Dinosaur Jr) e ingresa a las ligas mayores en el sello Geffen con Goo (1990), un disco considerado frío por el grupo y sus fans, ya que perdía la espontaneidad característica con una sobre producción en estudio.

El cuarteto integrado por Kim Gordon (bajo, voz), Thurston Moore (voz, guitarra), Lee Ranaldo (voz, guitarra) y Steve Shelley (batería) tiene problemas en hacer cuadrar sus dislocadas melodías experimentales y pop con las expectativas financieras de la compañía discográfica, más aún cuando recomiendan a sus amigos de Nirvana al sello y se produce una revolución musical que no se había visto desde los Beatles, con la edición de Nevermind en 1991.

Los roces con el productor que elige Geffen, Butch Vig (Smashing Pumpkins, Nirvana), y con el ingeniero de sonido Andy Wallace (Pantera), se tornan irreconciliables. La banda siente que en Dirty (1992), la presencia de estos personajes los hacen perder identidad y “mastican” su sonido para las grandes audiencias, más aún cuando notan que en vivo suenan mejor que nunca y que eso no se refleja en los discos. Como resultado de este proceso, rechazan cualquier acercamiento al grunge y lo “alternativo”, tan de moda a principios de los ‘90. “No nos interesan Soundgarden o Smashing Pumpkins, no creo que sean realmente alternativos. Deberías escuchar a Pavement y Sebadoh”, aseguró Kim Gordon en una entrevista durante 1994 en el canal francés M6.

El fruto de esta comezón incómoda con el mainstream será Experimental jet set, trash and no star (1994), un disco que si bien debe cederle las consolas nuevamente a Butch Vig, encara el desafío con algunos de los temas más ruidosos y radicales de Sonic Youth en muchos años. Los gritos al estilo de Boredoms en “Screaming skull”, la hipnosis misteriosa de “Bull in the Heather” y el pop destructivo de “Self obsessed and sexxee” revitalizan la banda y le devuelven todo el poder de sus mejores tiempos, como en Bad moon rising(1985) y EVOL. Este álbum tendrá dos o tres presentaciones en sociedad, ya que Moore y Gordon han encargado a su propia ‘joven sónica’, que nacerá meses después del lanzamiento de Experimental jet set…, su hija Coco.

El hecho de ser padres y de conformar un hogar, más la pérdida de seres queridos, como su amigo Kurt Cobain (¿Es Sonic Youth la banda de amigos de Cobain en Last Days de Gus Van Sant?), hacen que Washing machine sea un disco definitivamente diferente. Al mismo tiempo es una catarsis de todas estas vivencias confusas y perturbadoras, y posee una calidez de canción de cuna (“Unwind”, por ejemplo), inédita en los inicios ásperos del conjunto. Una canción de Sonic youth podía ser una experiencia a meditar, como las películas de David Lynch, mezcla de erotismo, violencia y muerte, pero ¿ternura? Tal vez sólo en el tema que cierra Experimental jet set… se note esa vuelta a la infancia, a los primeros afectos, pero en Washing machine, con temas como el hawaiano “Little trouble girl” –de una adolescente que desafía la tutela materna y se lanza de lleno en la experiencia de la pareja-, esto se hace claramente presente.

En lo musical, la banda se torna hacia el lo-fi con el productor John Sitek (Cell), provisto de una mesa de sólo ocho pistas, y se deja absorber por la influencia de la nueva camada indie de Matador Records (sello que acaban de escoger para sus nuevos trabajos), tales como Yo La Tengo, Pavement y Helium (estos últimos dos escogidos como teloneros por la juventud sónica tras lanzar Washing machine). El sonido del kraut rock, mezclado con shoegaze y noise pop darán como resultado las composiciones casi lineales del nuevo álbum, dejando atrás los intentos de formato canción de las ediciones anteriores.

El hecho de grabar en el Easley Recording Studio de Nueva York, en la misma época que Kim Deal (invitada a cantar junto a Sonic Youth en el disco), Pavement, Guided By Voices y Wilco, le dará un nuevo giro a las sesiones. Para evitar cualquier groove o funk, el grupo de Thurston Moore obvia los bajos y Kim Gordon pasa a ser una tercera guitarra, aportando nuevas texturas. Esto deriva en jams ruidosas como la de “No queen blues”, o el abstracto final de “The diamond sea”, donde todo se difumina, a la manera en que My Bloody Valentine realiza experimentos de treinta minutos de bulla ambigua y ensordecedora en sus versiones en vivo de “You made me realise”. También se siente esto en las interpretaciones vocales extremas de Kim Gordon, en temas como “Panty lies”, donde la repetición se vuelve obsesiva, como en una suerte de teatro psicológico.

Además, Lee Ranaldo vuelve a sacar a voz, y entrega canciones brillantes que incorporan su faceta de poeta post beatnik (admirador de William Borroughs) -expuesta en sus álbumes como solista y performances individuales-, como “Skip tracer” y “Saucer like”. Hay tiempo hasta para pasajes ambientales, como en “[untitled]”, que retoma el tema que abre el disco, “Becuz”, en clave instrumental. “The diamond sea” cierra el disco con majestuosidad, convirtiéndose en uno de los temas clásicos del grupo. Con todo, ¿Es Washing machine el gran disco que lanza a Sonic Youth de la adolescencia a la adultez? Es posible, así como que su influencia va mucho más allá de lo que se cree. De manera subterránea, eso sí.

Discos

Windsor for the Derby - How we lost (Secretly Canadian)

Por Rodolfo García | 20 October, 2008 | 139 visitas

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Windsor for the Derby regresa en gloria y majestad con How we lost. En su séptimo álbum, eclosiona lo mejor del grupo dirigido por Dan Matz y Jason Mcneely, ambos nativos de Florida. Luego de explorar un space rock ambiental y meditativo en sus primeras ediciones (Calm hades float, de 1996 y Minnie Greutzfeldt, de 1997, ambos por el desaparecido sello del baterista de Butthole Surfers, Trance Syndicate, y reeditados hace poco por Secretly Canadian), WFTD se lanzan a partir deThe emotional rescue (2001, Aesthetics) en brazos de sus primeros amores: el post punk más británico y la new wave. “Nos conocimos en la secundaria escuchando bandas de new wave, lo que nos marcó hasta hoy”, declaraba Dan Matz en una entrevista ese mismo año. Esta vertiente, cercana al romanticismo de los discos de Factory Records (la disquera de Joy Division) y los primeros trabajos de Creation Records (Ride, My Bloody Valentine, Slowdive), será la que mejor eclosionará en How we lost, el nuevo disco de los Windsor.

A medio camino del shoegaze, el post punk y el folk, los temas de este disco crean ese universo onírico propio de las películas de Sofia Coppola, para quien la banda aportó “The melody of a fallen tree” en Marie Antoinette. “What we want” es un bucólico trip sicodélico, mientras que “Maladies” contiene esa nostalgia pop etérea tan propia de la nueva camada de shoegazers como Televise y Moscow Olympics, rescatada de viejas glorias de la disquera 4AD como Pale Saints, ello mezclado a la energía de clásicos como Sonic Youth. “Robin Robinette” vuelve al ambient atmosférico, mientras que “Fallen off the earth” reincorpora la cadencia de ruido dulce en la guitarra, junto con teclados y una base melódica que deja al auditor flotando. El kraut rock sigue siendo una influencia fuerte en los tonos minimalistas de Windsor for the Derby, pero pasada por ese pop reverberado que recuerda a las melodías drogadictas de Spacemen 3, a los primeros Stone Roses y a Disco Inferno.

El folk llega únicamente con “Forgotten” y “Spirit fade”, como un shot de heroína a la vena que te deja tirado, mirando el techo, mudo y feliz con tanta belleza. Las experiencias en otros proyectos como The Birdwatcher, de Dan Matz, y los muy new wave I Love You But I’ve Chosen Darkness, de McNeely, así como sus colaboraciones con Michael Gira de The Swans han servido para que Windsor for the Derby se reencuentre con un ánimo motivado, dejando pasar varios meses en el estudio grabando una y otra vez este How we lost, hasta quedar satisfechos por completo. ¿El resultado de tamaño esfuerzo? Una escucha al disco lo dice todo. Majestuoso.

Discos

Sao Paulo Underground - The principle of intrusive relationships (Aesthetics)

Por Rodolfo García | 22 October, 2008 | 113 visitas

Grabado, mezclado y masterizado en los estudos Elrocha de Sao Paulo, Brasil, The principle of intrusive relationships, lo nuevo de Sao Paulo Underground, resalta por su riqueza de texturas y ritmos. Las melodías del ahora cuarteto dirigido por el trompetista Rob Mazurek y el percusionista Mauricio Takara, se disuelven en el espacio y evolucionan en tiempos relativos. Como en un experimento de mecánica cuántica, partículas de notas son enviadas en un espacio donde empiezan a aglutinarse y cobrar fuerza, hasta transformarse lentamente en magma y en entidades orgánicas algo torpes, para seguir su recorrido en paisajes sonoros donde es difícil discernir los planos en los que se desenvuelven las percusiones, programaciones, teclados, la trompeta y los sonidos procesados.

Los temas de este disco pueden bordear los diez minutos con facilidad, dando forma a viajes de proporciones, donde los músicos extraen sonidos inusuales que les evocan recuerdos, memorias de hace dos años atrás, como ellos mismos citan en el librito del álbum. La novedad aquí es la incorporación de Guilheme Granado y Richard Ribeiro en percusiones, lo que aporta solidez y riqueza a los temas, que son verdaderas odiseas que mezclan sensaciones arquetípicas y futuristas. Los desfases relativistas entre las capas de instrumentos, mezclados con la calidez brasileña, dan como resultado experiencias como la de “Barhulo do ponteiro 1 y 2”, un díptico en constante mutación, como un barrio brasileño en movimiento. ¿The future sound of Sao Paulo? Quién sabe, los resultados son altamente radioactivos, como lo atestigua la vivaz “Pulmoes”.

“Entre um chao e outro” surge de la esquizofrenia de la gran urbe para adentrarse en misteriosos pasajes dub. El tema incluye un piano Rhodes y un bajo, que actúan bajo la mecánica de un caos donde se encuentran, dialogan y se separan para seguir hablando con la batería y los loops, y luego quedarse absortos en algún detalle. Más que un experimento científico, Sao Paulo Underground narrar historias a la manera de una tradición de padre a hijo, con un significado que se va construyendo, y “Cosmogonia” se refiere a ello, a la manera en que a través de los distintos diálogos se van construyendo imágenes y formas a partir de la anarquía sonora. Las notas pueden sonar aleatorias, sin una necesidad concreta de alinearse en escalas. Más bien, son cuantos que interactúan entre sí con propiedades magnéticas, con cargas distintas que provocan reacciones inesperadas. Ahí es donde lo evocador resalta inesperadamente a través de la memoria: ¿Por qué recordamos algo específico?

The principle of intrusive relationships es un álbum para escuchar con detención, dejándose llevar por la complejidad de sus emociones, y lo rico de las conversaciones melódicas entre los ejecutantes. Sao Paulo Underground demuestra ser un grupo con un tremendo potencial a la hora de actualizar la música de avanzada, transportándola a una cultura emergente como la latinoamericana.

Discos

Lindsay Anderson - If (Minty Fresh)

Por Rodolfo García | 6 October, 2008 | 66 visitas

L’altra siempre fue un grupo complicado. Su sonido era lánguido, exangüe, a dos pasos de la iluminación y el romanticismo, y a tres del suicidio. Una banda de verdad, donde las letras representaban el estado del mundo interior de sus participantes, y la música en sus inicios era creada en largos y narcóticos ensayos de media tarde en un loft en Chicago. Siempre al borde del abismo, el primero en partir fue el bajista Ken Dyber (fundador de Aesthetics Records) y luego el baterista Eben English, dejando a la ex pareja de amantes conformada por Joe Costa y Lindsay Anderson a la merced de su propio infierno emocional, no tan distante del amor-odio de Bilinda Butcher y Kevin Shields, responsables del erotismo hiriente y venenoso de Loveless de My Bloody Valentine. No por nada los anglo-irlandeses son una de las bandas favoritas de Anderson y Costa.

Luego, tras un bello tercer disco de L’altra (Different days), el dúo se separa para seguir carreras solistas. Joe Costa continúa con su barroco e intrincado grupo Costa Music, con una producción de lujo a cargo de Marc Hellner y Telefon Tel Aviv, y Lindsay Cristina Anderson con su debut If, editado por el sello Minty Fresh (Aluminum Group). La vocalista había dado muestras de sobra de su talento y de su voz suave y de grandes cualidades gimnásticas: junto a Edith Frost y Will Oldham, en el área chica del folk, al lado del arco de lo más selecto, resguardado por el arquero John Denver. También, junto a los vanguardistas y electrónicos Telefon Tel Aviv y Pulseprogramming. Pero es en su propio disco donde aflora todo su talento como intérprete y compositora.

La diva de la ciudad del lago incorporó piano, teclados y voz, sus instrumentos habituales en L’altra, pero ahora aprendió a tocar guitarra, dándole un delicioso toque acústico a If. Es notable la coincidencia con otra Lindsay Anderson, cineasta de la época de la Nouvelle Vague, que filmó una cinta llamada “If”. La que nos concierne, Lindsay Cristina, graba sus canciones a modo de escenas, donde la atmósfera es esencial, y donde la letra narra los acontecimientos a modo de cámara subjetiva, ya que éstas son historias en primera persona, con sensaciones y sentimientos expuestos en una suerte de fotografías intimistas.

“Sweetness and light” y “Here and now” retoman dos nombres de canciones shoegaze, la primera de Lush y la segunda de Ride, y se remiten al mundo de la juventud –ambas eran de las bandas preferidas de Anderson-, pero mirado retrospectivamente, ya que las melodías nada tienen que ver con el ruido dulce de ambos grupos, sino que se remiten a un folk delicado y onírico. La música de la ex vocalista de L’altra está llena no sólo de dulzura, sino también de detalles en la producción (cuerdas por aquí, un arpegio de guitarra por allá, un par de notas de piano), siempre con una sutileza que se agradece y que hace de If un álbum sólido y maduro. Diez años de carrera no pasan en vano, y el disco rebosa de una carga emotiva intensa.

Discos

Stereolab - Chemical chords (4AD)

Por Rodolfo García | 25 September, 2008 | 28 visitas

El laboratorio estéreo llega en excelente pie a su décimo álbum. La senda comenzada en Peng! (1992, Too Pure) ha sufrido cambios y variaciones, y las guitarras sónicas, ruidosas y desatadas han dado paso a una concepción sofisticada de uneasy listening futurista. Ok., es cierto, Stereolab le debe mucho a las bandas sonoras de los años cincuenta, pero ello desde un prisma que incluye los arranques electrónicos de Mouse on Mars, quienes produjeron Dots and loops (1997, Elektra) y dejaron una impronta marcada en la banda anglo-francesa liderada por la ex pareja conformada por Tim Gane y Laetitia Sadier.

Chemical chords es una buena mezcla de estos elementos -electrónica y pop orquestado- pero, además, hace gala de un cierto barroquismo oscuro -expuesto en esos tonos menores y misteriosos en el clavecín de “One finger symphony”- y de una producción depurada y limpia como nunca antes. La canción que da nombre al álbum, por ejemplo, incluye hermosos arreglos de cuerdas con una cadencia que le debe tanto al tropicalismo de Os Mutantes como al Pet sounds de los Beach Boys. Pop perfecto, dirán algunos, y la verdad es que es posible que Stereolab haya hecho su disco de pop más perfecto a la fecha, sin perder un ápice de experimentación. Sólo han barrido el ruido.

¿Algo malo? Quién sabe. Distinto, más bien. En la senda de Margerine eclipse, el disco anterior, pero también del excelente Ep Fluorescences (disponible en su boxset Oscillons of the anti sun de 2005), donde los Moogs y teclados varios se vuelven rítmicos (siempre lo han sido, el piano es considerado como un instrumento tanto de percusión como de melodía, pero la primera característica se destaca más en Chemical chords). Al parecer, el participar de Monade le ha hecho bien a Laetitia Sadier, su trabajo con Stereolab se ha beneficiado de su aproximación preciosista que incluye elementos del jazz. ¿La prueba? El pegajoso single “Three women”, con sus jugueteos de un funk elegante y muy pop.

Tal vez, eso se extrañaba en discos más graves y aburridos, como los que Stereolab publicó a principios del milenio y enmendó a partir del muy recomendable Margerine eclipse (2005, Elektra): la voluntad lúdica que siempre ha sido uno de los rasgos que hacen de Stereolab una entidad querible y adoptable.

Discos

Guided By Voices - Under the bushes, under the stars (Matador)

Por Rodolfo García | 27 August, 2008 | 3 visitas

Editado en 1996

Robert Pollard se la estaba buscando desde hacía tiempo, y conUnder the bushes, under the stars (1996, Matador), finalmente lo logró. Llevó su power pop a la perfección tras intentos lo-fi -en sus primeros discos- y abusos hacia la impronta Lennon-McCartney en el excelente Alien lanes (1995, Matador). Pero es en el disco editado en 1996 que logra pasar a la historia. Cada uno de los 18 tracks expuestos (24 en la edición especial) son una joya que traspasa las barreras Beatles-se-junta-con-Dinosaur Jr del conjunto, para incorporar una fuerte dosis de leyendas olvidadas del rock: Genesis, Yes, incluso Rush. La psicodelia y el garaje también son fuertes inspiraciones.

Guided by Voices llega a la cúspide de su estilo y pasa a las grandes ligas con UTBUTS. Si My Bloody Valentine legó un Loveless (1991, Warner) y Red House Painters un Songs for a blue guitar (1996, Supreme), GBV llega a su apogeo con una serie de hits que van desde la primera canción (“Man called aerodynamics”), hasta la última (“Office of hearts”). Pollard logra para Matador un clásico ineludible más, para poner en la estantería al lado de Painful(1993, Matador) de Yo La Tengo y Crooked rain crooked rain (1994, Matador) de Pavement.

Grabado en el legendario estudio Easley, en la misma época en que Sonic Youth registraba el Washing machine (1995, Geffen); Kim Deal (The Breeders, Pixies) su The Amps (1995, 4AD); Pavement el Wowee zowee (1995, Matador) y Wilco sus comienzos, AM (1995, Nonesuch), Under the bushes under the stars logra una síntesis impresionante de lo que sucedía a su alrededor, otorgando por primera vez a Guided by Voices la oportunidad de sonar con una mejor fidelidad de sonido. Mid-fi dirán algunos.

“Underwater explosions” y “Don’t stop now” son dos de los mejores temas de la década, en un proceso en movimiento que incluyó a Mission of Burma, los Pixies y la Velvet Underground en el pasado. Desde acordes a la velocidad del sonido hasta baladas eléctricas y conmovedoras hasta los huesos, los Guided by Voices, aún en su formación original, parecen ellos mismos sorprendidos frente a las ideas geniales que descubrieron al tocar. Este asombro y una cierta ingenuidad permean los tracks de una manera sutil en la forma de interpretar las canciones, pero se nota. La emotiva “The official ironmen rally song” y la punzante y veloz “Cut out witch” son un buen ejemplo de cómo la espontaneidad y la intuición suelen ser mejores consejeras de lo que se piensa.

Cada textura posee su propio espacio, desde las cuerdas ocasionales hasta los tonos de batería, pero sobretodo la guitarra, donde se adivina que el grupo usó al máximo los recursos del estudio (modelos antiguos y amplificadores) para procurarse un sello distintivo. Es divertido cómo un espíritu cercano al jipismo se filtra en las canciones, con un aire retro de búsqueda de la iluminación, como lo sugiere la contratapa con una joven corriendo en el campo junto a su hijo, ambos desnudos, los brazos en dirección al sol.

Podcast #8 y #9: Ojo de Apolo, Partes I y II

2008-10-16T23:39:00.002-03:00

Escucha haciendo click en

Play

en el reproductor aquí arriba,

las últimas dos ediciones

Nueva

Música Chilena

consagradas

al colectivo

electrónico

El Ojo de Apolo,

con artistas como Cáncer,

Bios, Sembe,

Danieto, Adn,

Oxido

Spin y

Tripman

A fines de la década de 1990, un grupo de músicos chilenos decide lanzarse por el camino de la electrónica abstracta (Intelligent Dance Music, Ambient, Dub), y formar un sello discográfico. Jorge Cortés - el ex-baterista de la banda hardcore Supersordo y de los incandescentes Niño Símbolo expuestos en el capítulo anterior de Nueva Música Chilena-, es quien toma las riendas y publica ediciones en CD de su producción como Cáncer y la de los oros miembros del grupo, como Oscar Burotto de LEM, quien aparece bajo los aliases de Sembe y Bios, destilando un ambient experimental, el primero, y un dub fino y minimalista, el segundo. Cáncer explora la deconstrucción y se acerca al sonido de Autechre y Boards of Canada, o sea, posee una gran afinidad con los artistas del sello inglés WARP, en la época. También están ADN y Danieto (ambos alias de Daniel Nieto), Óxido (César Nieto) y Tripman, presentes en el segundo programa.

Guy Picciotto| Extravaganza N°60 :)

2008-10-13T00:12:00.002-03:00

Guy Picciotto: Revolución Adolescente

por Rodolfo García

29.09.08

De paso por Chile, musicalizando en vivo con Todd Griffin los cortos de Danny Williams sobre la Factory de Andy Warhol, Guy Picciotto –guitarrista, vocalista y miembro fundador de los icónicos Fugazi– se dio el tiempo para conversar con Extravaganza! acerca del hazlo-tú-mismo, el receso indefinido de Fugazi, su venida a Chile en 1997 y más.

El nombre de Fugazi evoca muchas sensaciones e imágenes. Fue una banda de punk auténtica y vanguardista, que se rebeló ante el mercado imponiendo en el mundo indie la estética del hazlo-tú-mismo. Este grupo se auto editaba en su sello Dischord, así como a la bullente e innovadora escena de post-hardcore que se gestó en Washington DC. Fugazi tenía, además, un discurso político y artístico, junto a un sonido insolente de guitarras al rojo vivo y baterías avasalladoras.

¿Cómo te uniste a Fugazi?
Creo que tenía unos 20 años y ya había estado en unas cuatro o cinco bandas antes, con el baterista Brendan (Canti, quien también formaría Fugazi. Ian, Brendan y Joe (Lalli, bajista) iniciaron Fugazi. Como yo había tocado tanto con Brendan, me pidieron que me subiera al buque. Alcanzaron a tocar como trío una vez y luego yo me uní para la segunda. Desde que tenía 20 estuve en Fugazi por unos 18 años, con un montón de momentos alucinantes.

Se identifica mucho a Fugazi con el hazlo-tú-mismo…
Creo que la política del hazlo-tú-mismo y lo práctico de este método son dos instancias íntimamente relacionadas. Para nosotros, era un asunto de cómo mantener el control frente a algo que nos era importante. El sentido de nuestra música era ser un canal de expresión personal artística y política. Entonces, ¿cómo puedes rendirte y otorgarle a alguien que no comparte tus intereses, la dirección del asunto? Si controlamos todos los aspectos de nuestra obra, sentimos que mantenemos la responsabilidad y la dirección de nuestro mensaje.

¿Como censura y cambio de sonido?
Sí, pero también un montón de aspectos más simples. Teníamos un montón de políticas para la banda. Queríamos que nuestros conciertos fuesen abiertos a todo público, de todas las edades, que los precios de nuestros discos fueran muy bajos, y que los tickets para nuestros recitales fuesen baratos y accesibles.

¿Qué pasó luego de Fugazi? ¿Por qué rompieron, si en el documental Instrument se veían tan vitales?
Nunca rompimos, en realidad. Terminamos de hacer este disco, llamado The Argument, y nos preparamos para hacer la gira correspondiente. En esta época, el baterista Brendan Canti tenía tres hijos y venía uno más en camino, el bajista Joe Llali acababa de tener familia también y un paquete de cosas difíciles ocurrió en nuestras vidas personales, por lo que necesitábamos una pausa. Tuvimos muertes en nuestras familias y asuntos que debíamos resolver en el ámbito íntimo. Entonces tuvimos una reunión y, aunque habíamos estado trabajando en nuevos temas, decidimos interrumpir las giras por un tiempo y vernos como amigos. Cuando empezamos, nos íbamos seis meses de gira al año, lo que implicaba un montón de trabajo. Decidimos darnos un break, aunque esa pausa se extendió cada vez más y cada cual empezó a verse involucrado en distintos proyectos. Es como bajarse de un tren que iba muy rápido y decirse: ¡Oh, ahora puedo hacer otras cosas! Ahora tengo un hijo; Ian, también. La idea de que no volvamos a tocar nunca más juntos es muy posible, pero también lo es el hecho de que sí lo hagamos.

¿En qué has estado tú?
Está este soundtrack, donde improviso sobre composiciones de Todd Griffin. También he estado tocando y haciendo giras con Vic Chesnutt, un cantautor que viene de Athens, Georgia. Es una banda que me incluye a mí y a miembros de A Silver Mount Zion, de Montreal, y tocamos todos juntos en el último disco, llamado North Star Deserter. Planeamos hacer otro disco en septiembre y seguir con las giras.

Es una actividad bastante regular…
Sí, se transformó en una. Es divertido porque al principio nos juntamos sólo a grabar, pero tuvimos un encuentro tan interesante que decidimos seguir. Chesnutt ha hecho cosas muy buenas como solista en el pasado y es genial lo que está ocurriendo ahora que decidió formar esta banda que lo acompaña. Deberías escuchar el disco para hacerte una idea, pues tiene un sonido muy amplio.

Vimos a Ian Mackaye el año pasado en Chile con The Evens. ¿Qué pasó con el resto de Fugazi?
Sí, Ian formó su grupo The Evens y ha estado tocando a full con ellos. Joe, el bajista, se fue a vivir a Italia y ha hecho dos discos solistas hasta ahora. Brendan ha estado en la banda de Bob Mould (Husker Dü, Sugar), también produjo a Mary Timony. Todos hemos estado en un montón de proyectos.

¿Cómo ha sido tu labor como productor?
He trabajado con Blonde Redhead, Gossip y Blood Brothers, entre otros. Generalmente estoy ahí para ayudar. Me considero a mí mismo como un músico y productor inmaduro, lo que significa que siempre estoy abierto a cosas distintas. Por ejemplo, nunca había hecho un soundtrack, hasta que me llamaron y me dijeron: ‘¡Hey! ¿Quieres ir a tocar a Santiago de Chile?’. Siempre estoy aprendiendo cosas nuevas.

¿Tienes recuerdos de tu paso por Chile con Fugazi en 1997?
Sí, muchos. La contraportada de End Hits es una foto tomada en Farellones. En nuestra película Instrument hay muchas tomas e imágenes de las montañas que rodean Santiago. En esa gira estuvimos en Brasil, Argentina y Chile. Fue un asunto de gran importancia para Fugazi e hicimos muchos amigos. Nos interesaba mucho tocar en nuevos países. Fuimos a Malasia, Honk Kong, Japón, Australia, Europa y cada país tuvo un impacto para nosotros. Pero Sudamérica fue enorme, por la cultura que descubrimos, la música que pudimos escuchar, las amistades que forjamos. La recepción fue grandiosa.

¿Tal vez por la relación entre el mensaje político de Fugazi y la etapa de post dictadura del continente?
De todas formas. Nosotros estábamos muy conscientes de la situación chilena antes de venir. Lo que le ocurrió a Allende se gestó en Washington DC. Rodrigo Roa, el joven fotógrafo asesinado en Santiago por captar una protesta, venía de DC. Él era primo de un amigo mío. Nos interesaba mucho el público. Es admirable poder apreciar una sociedad que atravesó por todo eso.

Valdivia

2008-10-12T02:00:00.004-03:00

Recuerdos de la semana que estuve cubriendo el festival internacional de cine de valdivia, grandes momentos, gracias zebra por la salvada en el ocio en la fiesta de prensa como dejota...

un par de notas salieron en paula:

Tiziana Panizza: Cartas visuales

FESTIVAL DE CINE DE VALDIVIA

Por Rodolfo García, desde Valdivia.

Tiziana Panizza es una realizadora chilena que se adentra en la tendencia actual de la narración en primera persona. Con tan sólo dos cortometrajes, esta descendiente de inmigrantes italianos demuestra cualidades intrigantes. Sus registros trabajan el antiguo formato casero de las cintas en 8mm con una capacidad nostálgica y una fuerza estética que inquieta e hipnotiza. Su producción se remite a la esfera más subjetiva de los recuerdos íntimos, y a detener y recuperar por un instante el tiempo que se escurre entre las manos como arena, bajo la forma de cartas visuales dirigidas a distintos destinatarios

más, aquí

Valdivia: A puro cine

ACTUALIDAD, CINE

Por Rodolfo García, desde Valdivia.

El Festival Internacional de Cine de Valdivia es la muestra del séptimo arte más austral del mundo. Imbuido del ambiente de sus avenidas circulares e históricas, del río Calle Calle, la omnipresente y celebrada cerveza Kunstmann, orgullo regional, y de los legendarios crudos de la ciudad, es también aquél donde ha eclosionado el llamado Nuevo Cine Chileno (nombre acuñado por la célebre revista francesa especializada ‘Cahiers du Cinéma’), con la presencia de directores jóvenes y talentosos como Alicia Scherson (Play), Sebastián Lelio (La Sagrada Familia) y Pablo Larraín (Fuga, Tony Manero).

más, aquí.

Diego Morales| Revista Extravaganza!| n°58| Julio 2008

2008-09-20T22:57:00.002-04:00

El multifacético Diego Morales reparte su tiempo entre su trabajo electrónico en solitario, su grupo Fredi Michel, la banda de Javiera Mena, y su alias como DJ, Djegors. Actualmente el músico graba su tercer disco como solista, el que anuncia viene con más beats que los anteriores, y el cual espera ver la luz antes de fin de año. Además, Morales está produciendo el primer álbum de Fredi Michel, el que será “bien bailable, lo-fi, sound, sicodélico y latin pop”, como promete entre risas. Para ser un grupo que tiene sólo un tema editado, los F. Michel lograron acaparar la atención de Jorge González, quien les hizo una remezcla. “Después de eso me puedo morir tranquilo”, se ríe. “Nos llena de orgullo haber creado un mini clásico de club, es una remezcla bien festiva y para nada pretenciosa”, continúa.

No es la primera vez que el joven autor ha terminado en alguna relación creativa con sus mentores. Hace poco formó parte de Shogún en vivo, junto a Cristián Heyne. “Yo escuchaba su música en el colegio y lo consideraba uno de los mejores músicos y productores de Chile. Pasar a tocar con él fue increíble”, recuerda. Desde su debut, El Dub de los Pobres (Luna, 2003), Diego Morales logró atraer a quienes habían sido sus influencias, como LEM –el proyecto ambient de Ottavio Berbakow (Esqueleto)-, quien junto a Heyne editó el disco por Luna, el sello de ambos, anunciándolo como la promesa de la electrónica chilena del momento.

También, Morales tuvo la oportunidad de aparecer junto a Panamerican y The Remote Viewer en una compilación del sello francés Autres Directions en Musique, y de tocar en el festival Mutek.

Luego vendría Calmao (Quemasucabeza, 2007), donde comparte sello junto a sus amigos y compañeros de generación; Gepe, a quien ha acompañado en algunos shows, y Javiera Mena, con quien toca el bajo. “Nos conocimos en una época donde teníamos bandas con amigos en común, lo cual fue muy enriquecedor”, precisa. En este momento, Morales se encuentra seleccionando los tracks y realizando las mezclas de su nuevo álbum, el que incorpora más ritmos respecto a sus comienzos más atmosféricos y abstractos.

“En general no soy para nada geek y mi equipamiento es más bien precario. No lo veo como un impedimento, sino como una forma de aumentar los recursos creativos. Además siempre me ha gustado complementar la poca tecnología con la que cuento con instrumentos reales”, indica en cuanto al proceso en estudio.

Respecto a Fredi Michel, la banda está conformada por Andrea Guerrero en voces, y el resto; Julio Moyano, Felipe Sancho (de Genéricos), Rodrigo Costa y él, se dedica a tocar de todo para el anunciado debut que el mismo Morales produce: teclados, guitarras, bajos, programaciones, percusión y samplers.

A través de su alias Djegors, Morales se oxigena como DJ frente a sus otras actividades: “Es algo que me llena mucho. También se fue dando naturalmente, a medida que fui descubriendo música de baile alucinante y diciéndome ‘Esto me gustaría escucharlo en una fiesta’. Me fui animando a hacerlo cada vez más, hasta hoy. Es algo que me fascina realizar”, concluye este multifacético músico.

Botanik

2008-09-10T19:38:00.000-04:00

printemps à santiago

2008-09-10T19:36:00.000-04:00

la ville de la providence

2008-09-10T19:29:00.002-04:00

Reversa #14, on air @Podcaster.cl

2008-08-23T23:51:00.007-04:00

Ya está disponble la nueva versión del podcast reversa.

En el episodio#14, oíremos indie pop con Ride, Pale Saints y novedades con Windsor for the derby. Además, electrónica indie con Pulseprogramming, Telefon Tel Aviv e Icalma.

h a z c l i c k y e s c u c h a

F i n d a b e a u t i f u l p l a c e t o g e t l o s t

reversa 14

—-DayDreAm Nation: Indie PoP———-

Pale Saints:Throwing Back The Apple Ep
(4AD, 1992)
–blue flower
—half life, remembered

Windsor For The Derby:How We Lost
(2008, Secretly Canadian)
–maladies
—fallen off the earth

Ride: Nowhere
(Creation, 1991)
–Dreams burn down
—Vapour Trail

Telefon Tel Aviv: Map of What is Effortless
(hefty, 2003)
–When it happens it moves all by itself
—what it was will never again

Pulseprogramming: Pulseprogramming
(Aesthetics, 2000)
–Light
—There isn’t

I Calma: Bun o Und
(Telescopic, 2005)
—Tu ne sais rien d’elle

Shogún: Sesiones Nocturnas
(Luna, 2007)
–Luz

d e s c á r g a l o

y

s u s c r í b e t e

en

www.podcaster.cl/reversa

Philippe Boisier en Paula, reversa en Radio U de Chile

2008-08-22T19:16:00.005-04:00

Más producción, no paro, incluso me quedo hasta las 5 am a veces.

aquí: entrevista a Philippe Boisier (Icalma) para Paula:

Ago 22

Philippe Boisier: Encargos femeninos

Música

Por Rodolfo García.

Tras dedicarse durante un tiempo a la producción de los eventos EIMA (Encuentros Internacionales de Música Actual), Philippe Boisier vuelve a dar vida a Icalma, su proyecto más personal, tal como empezó: musicalizando imágenes. La diferencia es que esta vez es para la serie de ciencia ficción Gen Mishima de TVN y para el nuevo largometraje de Alicia Scherson (Play), Turistas.

más, aquí.

Tb, está en el ciberespacio el podcast de la edición del programa radial Perdidos en el Espacio, donde presenté el podcast Reversa q estoy realizando, un encuentro con un viejo amigo como lo es Jaime Baeza, con quien trabajé unos años en el pasado.

Escúchalo aquí

Artista: THE CURE … por Rodolfo
Disco: Paris
Sello: Fiction
Año: 1993

Un raro registro en vivo del grupo de Robert Smith, que estrena para el registro versiones arregladas de su primera época, es decir entre el 80 y 84, principalmente, más canciones de su disco wish que no forman parte de las giras habituales. La grabación fue hecha en Le zenith, espacio icónico dentro de los escenarios de Paris, donde se presentará My Bloody Valentine este año. La toma de sonido es precisa y sin overdubs.

Artista: SAO PAULO UNDERGROUND … por Rodolfo
Disco: The principle of intrusive relationships
Sello: Aesthetics
Año: 2008

Una primicia para perdidos, un adelanto del último disco de sao paulo underground, el grupo que reúne a tres cariocas y al legendario trompetista Rob Mazurek de Isotope 217, considerado como el nuevo Miles Davis. Gentileza del sello.

Artista: SUN KIL MOON… por Rodolfo
Disco: Ghosts of the great highway deluxe edition
Sello: Caldo Verde
Año: 2003

Esta reedición del debut del grupo de Mark Kozelek fuera de Red House Painters posee un aire bucólico y a la vez de carretera. Es la música perfecta para una road movie por california. Escucharemos algo de las versiones inéditas incluidas en esta nueva edición del disco más popular en toda la carrera del talentoso cantautor.

Artista: PAVEMENT … por Rodolfo
Disco: Wowee Zowee Deluxe Edition
Sello: Matador
Año: 1996

El tercer álbum de Pavement viene remasterizado y con el consecuente cd bonus de material inédito y tomas en vivo. Escucharemos algo de este clásico de la banda de Stephen Malkmus y Spiral Stairs, emblemática dentro del indie rock, que grabó este álbum en el mismo estudio en que grababan en la época Sonic Youth (el Washing Machine), Kim Deal (junto a The Amps su grupo fuera de pixies y breeders), Wilco y Guided By Voices.

daydreaming, nightmaring, this way out,,,

2008-08-22T03:08:00.004-04:00

(vapour trail, xxxRidexxx//)

Más textos publicados: salió la reseña al clásico incandescente de Mogwai, su debut Young Team, reeditado en versión de lujo y remasterizada este 2008 por Chemikal Undeground

Mogwai - Young team (Chemikal Underground)

Por Rodolfo García | 20 Agosto, 2008

Editado en 1997 (Edición de lujo publicada en 2008)

Describir el primer álbum de Mogwai puede resultar una tarea compleja pero apasionante. Con una introducción que reza: “la música es más grande que las palabras y más amplia que las imágenes”, el joven cuarteto escocés se lanza en una aventura narrativa de vastas proporciones que no se entiende sino sólo por el sonido. Las voces escasean en el disco, por ello carecemos de un mapa que vaya haciendo explícito el territorio que pisamos. Y si oímos canciones como “Like herod” sin aviso alguno, es probable que nos encontremos subyugados por una ola de distorsión. Ello, tras pasajes repetitivos de tensión y calma, los que poco auguran la marea convulsionada y agresiva que oculta el clímax del tema. Recorrer Young team siempre ofrece alguna sorpresa en el camino. La energía desplegada a lo largo de los tracks es un asunto de proporciones a veces gigantescas de ruido. Es decir, es difícil saber a qué atenerse, excepto a verse inmerso en una montaña rusa de emociones, las que transcurren a veces a gran velocidad como en la versión de “Summer”, aquí incluida.

más, aquí.

Tb, partió el ciclo de música chilena que produzco para Música de Medianoche de Radio Beethoven, bajo invitación de Sergio Diaz, aquí la noticia en super45

Familea Miranda inaugura ciclo de música chilena en Radio Beethoven

Por Super 45 | 19 Agosto, 2008

El rock millonario del trío Familea Miranda da inicio este miércoles 20 de agosto a un ciclo dedicado a músicos nacionales del espacio Música de Medianoche, de Radio Beethoven. El segmento, dirigido por Sergio Díaz y producido por Rodolfo García, contará con distintos exponentes cada semana, y se extenderá hasta fines de septiembre.

más, aquí

Este es el plan del programa, hasta ahora:

Música de Medianoche Ciclo de música chilena Miércoles, 24:00hrs 96.5 FM

Mdm 20 de agosto

rock millonario, post punk

>>>>>>>>>>>>>Familea Miranda<<<<<<<<<< -FM (2001, Miranada) ---Ferguson (2003, Miranada) (Llamando al desastre, Miranada, 2007) ----Ensayo=error (Quemasucabeza, 2006)

Baja el podcast: aquí.

Mdm 27 de agosto

-------------------------------gaze------------

>>>>>>>>>>>>>>Icalma<<<<<<<<<<<<<<<<
-Music for the eye (2003, Luna)
---Bun o Und (2005, Telescopic)
-----Demos (2008)

>>>>>>>>>>>>>>Shogún<<<<<<<<<<<<<<<< -13 (Luna, 1999) ---Sesiones Nocturnas (Luna, 2007) -----Noa Noa, en vivo (Podcaster, 2007)

Mdm 2 de septiembre

---------------------------------------fauna chilensis------------

>>>>>>>>>>>>Namm,<<<<<<<<<<<<<<<<<<
-Jacobino

>>>>>>>>>>>>>>>>>Aves de Chile, <<<<<<<< -Horrible Registros

>>>>>>>>><<<<<<>>>>>>>>>>>Gepe<<<<< -Jacobino, Quemasucabeza

Mdm 9 de septiembre

-------------------------(Noise)-----------(Experimental)-----------
(Horrible Registros, Fakxion, Productora Mutante)

>>>>>>>>>>>>>>Come Perro Fuma Gato<<<<<

>>>>>>>>>>Electrozombies<<<<<<<<<<<<<<

>>>>>>>>Diablo<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<< >>>>>>>>>>>>El Gobierno de la Mañana<<<<<<

<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>>>>>>>><< >>>>>>>>>>>>>>Colectivo No<<<<<<<<<<<< >>>>>>>>>>>>Marcel Duchamp<<<<<<<<<<<<

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>Joven Abuelo<<<

>>>>>>>>>>>>Leonardo Ahumada<<<<<<<<<< <<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<

>>>>>>>>>>Holograma<<<<<<<<<<<<<<<<< Mdm 16 de Septiembre

pop empoisonné

>>>>>>>>>>>>>>>Mostro<<<<<<<<<<<<<<<
---Hr 01 (2003, Quemasucabeza)
------------Fakxion, 2006
----------Consumido por pájaros (2006, Quemasucabeza)

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>Javiera Mena<<<<<< ------Recicle (2006) ------------demos (2001) -----------esquemas juveniles (2005, Quemasucabeza)

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<>>>>>>>

Mdm 23 de Septiembre

Ambient, post rock, post punk

>>>>>>>>>>>>>LEM<<<<<<<<<<<<<<<<<<<

-------Pulsos (1998) -----------13 (Luna, 1999)

>>>>>>>>>>>>>>>Congelador<<<<<<<<<<<<

-------Cuatro (2004, QSC)--Iceberg(2001, id)-------Despertar (1999, id)

<<<<<<<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>Niño Símbolo<<<<<<

-----------Ley del hielo (1999, Ojo de apolo)

<<<<<<<<<<<<<<<<>><<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<

-----Panorama Neutral (2005, Quemasucabeza)

Mdm 30 de Septiembre

////--------------Electrónica------------------------////

>>>>>>>Cáncer<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<

>>>>>>>><>>>>Danieto<<<<<<<<<<<<<<<<

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>Alisú<<<<<<<

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<

><<<<<<<<<<<><>Receptor<<<<<<<<<<<<<

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>Bios<<<<<<<<

Mdm 6 de Octubre

----------------Rock---------------------------

<<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>>>

>>>>>>>>>>>>Tío Lucho>>>>>>>>>>>>>>>>

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>Perrosky>>>>>>>>>

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>Guiso>>>>>>>>>>>>

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>Ramíres<<<<

<<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>